„Ein Notfallhandy ist in der Bibliothek versteckt, im ausgehöhlten ‚Ulysses‘ von James Joyce. Keine Angst, das Buch ist knochentrocken, da geht schon keiner dran.“ Till Berghoff, unter falschem Namen als „V-Patient“ auf dem Weg in eine Klinik für forensische Psychiatrie, bekommt noch im Rettungswagen letzte Infos zu seiner Sicherheit. In der Klinik ist der Kindermörder Guido Tramnitz inhaftiert, der Berghoffs kleinen Sohn Max entführt hat. Max lebt vielleicht noch, doch Tramnitz weigert sich, mit der Polizei zu kooperieren. Der verzweifelte Vater, hin- und hergerissen zwischen Hoffnung und dem Wunsch nach Gewissheit, setzt alles auf diese letzte Karte, um die Wahrheit aus Tramnitz herauszulocken…

Das Schicksal des „Ulysses“ dürfte auch Sebastian Fitzeks 17. Psychothriller „Der Insasse“ erspart bleiben: Die Fans fiebern dem soeben erschienenen Buch entgegen, und zu seiner Lesung am Sonntag Abend im Rahmen des 11. Braunschweiger Krimifestivals erwartet den erfolgverwöhnten Autor das ausverkaufte Große Haus des Staatstheaters. Aber was heißt da schon „Lesung“? Zwar liest Fitzek sehr ausdrucksvoll drei Kapitel und die – sehr witzig! – als Kurzthriller verfasste Danksagung seines Romans. Doch das sind nur vier Wortblöcke, um die herum der Dampfplauderer eine mitreißende Show gebaut hat. Untermalt von einer Powerpoint-Präsentation kommen Familiengeschichten zur Sprache, Fanpost („Herr Fitzek, kann ihre Frau neben Ihnen überhaupt noch einschlafen?“), fehlgeschlagene Marketingkonzepte, seine Recherchen, Überzeugungen, die Verfilmungen seiner Bücher und die Frage nach der Erfolgsformel. Die Anekdoten, Pointen, Lacher, Gags folgen Schlag auf Schlag… Da hat ihn doch glatt ein Fan per Twitter für tot erklärt, aber: „Als ich das letzte Mal meinen Puls fühlte, schlug er noch.“ Nicht jeder Mensch sei böse, doch „im Angesicht des Todes schärfen wir unsere Sinne“, darum seien Krimis so spannend; erst die Lebensumstände bringen Böses im Menschen hervor. Man wolle das Böse besser verstehen, aber die Realität werde oft durch Zufälle bestimmt. Seine drei kleinen Kinder haben Fitzek um eine Gruselgeschichte angebettelt, und er hat sich eine für sich ausgedacht – mit dem Erfolg, dass sie nur noch zu dritt in einem Bett schlafen konnten. Eine Flasche Febreze mit Lavendelduft, zum Anti-Monsterspray erklärt, …

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Ganz und gar gentlemanlike, im grauen Anzug mit Weste, erschien der Kabarettist, Schauspieler, Regisseur und Schriftsteller Henning Venske am Samstag Abend auf der Bühne des Kulturzentrums „Brunsviga“, um sich mit seinem Programm „Summa Summarum“ von Freund und Feind zu verabschieden. Doch das distinguierte Outfit täuscht: In seinem 80. Lebensjahr ist Deutschlands „meistgefeuerter Satiriker“ bissig und böse wie eh und je. Im Zeitraffer geht’s durch die deutsche Nachkriegsgeschichte von den spießigen fünfziger Jahren, wo Kommunisten wieder verfolgt, Frauen als „Füllmaterial für Mieder“ angesehen wurden und Sex außerhalb der Ehe nur als „Selbstbestäubung im Herrgottswinkel“ möglich war bis heute: Da stehen der Einheitspartei von CDUCSUFDPSPDGrüne nur noch Adolfs Fiese Dumpfbacken gegenüber, in den blühenden Landschaften im Osten geht wenigstens die braune Saat auf und Konzerne machen unter dem Motto „Leistung muss sich wieder lohnen“ mit fragwürdigen Privatisierungen den großen Reibach. Die Neulagerung der Atommüll-Fässer aus der Asse werde wahrscheinlich im Jahr 3000 erfolgen, zusammen mit der Eröffnung des Berliner Flughafens.

Sämtliche Bundespräsidenten – „eine allseits anerkannte Überflüssigkeit, lieber wäre ich Animateur an der Käsetheke von Edeka“ – und Bundeskanzler bekommen ihr Fett weg. Vor allem natürlich Helmut Kohl: „Er war gar nicht dick, sondern wirkte nur so, weil sein Jackett mit Banknoten gepolstert war.“ In ihm werde die Nachwelt einmal alle austauschbaren Kanzler bündeln: den Sauerkohl Helmut Schmidt, den Rotkohl Gerhard Schröder, die Kohlroulade Angela Merkel. Immerhin habe Kohl keinen einzigen deutschen Soldaten ins Ausland entsandt, während Schröder und sein „Grünkohl“ Joschka Fischer die Bundeswehr in den Jugoslawienkrieg schickten. Heute sei sie wieder an fast so vielen Orten im Einsatz wie die Wehrmacht im Zweiten Weltkrieg. Alle frühen Bundespräsidenten waren in den Nationalsozialismus verstrickt, nur Gustav Heinemann war im Widerstand – „eine schwere, personalpolitische Panne“.

Manches Politikerzitat belegt: „Große Formulierungen bedürfen keiner Gedanken“. Umso gehaltvoller waren – Schlag auf Schlag – Venskes eigene brillante Formulierungen: der Staat – „eine Organisation zur Mästung des Kapitalismus“; die Inquisition – für den erzkatholischen Familienminister Würmeling „eine linksradikale Bürgerbewegung“; die RAF – „ineffektiv, verglichen mit der SS“. Und an der Generation der 1968er arbeiten sich heute die „Zeitgeistnutten“ ab. Da mag so einigen Zuhörern das Lachen im Halse steckengeblieben sein – so muss politisches Kabarett sein! Doch auch leisere, nachdenkliche Töne hatte Venske, der sein Programm mit Zitaten von Schiller, Heine, Arno Schmidt und Jean Luc Godard würzte, parat: „Man muss nicht fremde Kulturen in Frage stellen, es reicht schon, über sich selbst nachzudenken.“ Zum Abschluss gab der studierte Germanist und Historiker seinem begeisterten Publikum zweierlei mit auf den Weg: „Niemals resignieren!“ und – mit Goethe: „Der Sinn des Lebens ist das Leben selbst!“

Zwischen den Wortbeiträgen spielte Venskes kongenialer Partner Frank Grischek auf dem Akkordeon Tangos von Astor Piazolla und Walzer von Chopin, „Toots“ Thielemans und Schostakowitsch. Die hinreißende Musik auf dem vom Muff des Volkslieds entstaubten Instrument war ein völlig gleichwertiger Gegenpart, der die Anspannung immer wieder befreiend löste.

Foto: Bettina Stoess

Stark, diese Farben: Türkis die Bühne, die Wände herabhängende Streifen aus Folie. Hellgelb der riesige Fuchskopf, pink der Anzug der Puppe, die auf dem Boden sitzt und schlaff und leblos am Kopf lehnt. Eine Kinderstimme beginnt traumverloren zu singen, schwillt an, wird von elektronischer Musik verstärkt. Wie unter elektrischen Schlägen erwacht jetzt die Puppe zum Leben: Da hebt sich eine Hand, dort zuckt der Fuß, zappeln die Finger, klimpern die Wimpern. Mit den ruckartigen Bewegungen eines Automaten setzt dieser Prozess sich fort, bis die Figur steht, umfällt, wieder steht und endlich geht. So beginnt „Funkelfuchs“, ein Tanzstück für kleine Kinder und Erwachsene, das am Sonntag seine Uraufführung im Haus III des Staatstheaters erlebte. Die Choreografin und Regisseurin des Stück, Liliana Barros, tanzt auch den Solopart.

Vorsichtig erkundet sie den Kopf, krault mal hier, mal da das wuschelige Fell, legt sich quer über die Schnauze. Mit Anlauf geht’s die Stirn hinauf und – ätsch, abgerutscht! Schadenfrohes Gelächter im jungen Publikum. Endlich auf dem Kopf-Berg angelangt, schmiegt sie sich in die weichen Ohren und schaut als Gipfelstürmerin in weite Fernen – Applaus! Pfeifend pirscht sie sich schließlich an die schwarzen Augenhöhlen heran und wurschtelt sich hinein. Nur die Füße schauen noch heraus und wackeln zum Lachen komisch. Aus der Nase des Fuchses kommt sie wieder herausgekrabbelt.

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Funkelfuchs – was für ein wunderbares Wort! Ich sehe sofort ein Feuerwerk bunter Sterne aus dem roten Fell aufstieben. Zu dieser Assoziation lächelt Liliana Barros und legt den Kopf mit den roten Locken ein wenig schräg. „Ich erzähle allerdings keine realistische Geschichte“, sagt die Choreografin des Kindertanzstücks, das am kommenden Sonntag um 15 Uhr im Haus III des Staatstheaters seine Uraufführung erlebt. „Es geht mehr um Bilder, Imagination und um die Freiheit, mal etwas ganz anderes zu entdecken. Um menschliche Gefühle und darum, eine andere Sprache, die des Körpers, als Ausdrucksmittel zu erleben. Aber ganz sicher wird in meinem Stück auch etwas funkeln, nämlich die Kommunikation. Die Proben, die wir vor Kindern durchgeführt haben, sind fantastisch gelaufen.“

Die portugiesische Tänzerin ist vor 2 Jahren mit Dagmar Schlingmann und ihrer Truppe ohne Festanstellung von Saarbrücken nach Braunschweig gekommen, um von hier aus frei zu arbeiten. Für das Ballettensemble des Saarländischen Staatstheater, dem sie als Tänzerin angehörte, entwickelte sie bereits mehrere Choreografien und schuf sich so die Basis für eine zukünftige Laufbahn als Choreografin. Vor kurzem erst arbeitete Liliana Barros als Performerin und Choreografie-Assistentin zusammen mit der polnischen Regisseurin Marta Górnicka in der Produktion »Jedem das Seine. Ein Manifest« an den Münchener Kammerspielen. Letztes Jahr machte sie mit dem eigenen Solostück „Nervure“ Furore: Das Stück gewann zwei Preise beim Solocoreografico Dance Showcase in Turin und wurde auch zu den deutschen und französischen Editionen des Festivals in Frankfurt und Lyon eingeladen. Auch in Berlin, Hannover, Kopenhagen und Zypern trat Barros mit „Nervure“ auf. In der Spielzeit 2018/2019 erarbeitet sie nicht nur „Funkelfuchs“ und die Bewegungschoreografie für Puccinis Oper „La Boheme“ für das Staatstheater Braunschweig, sondern auch noch ein neues Werk für das Nationaltheater Mannheim. Sie hat also bisher ausschließlich zeitgenössisches Tanztheater für Erwachsene gemacht. Wie war das nun für sie, auf einmal ein Stück für Kinder zu entwickeln? Einer ihrer bisher schönsten Prozesse sei das gewesen, ein sehr freier und auch intimer Prozess, denn sie habe dabei ganz viel von und in sich selbst entdeckt.

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In Faham, einem kleinen Ort in Thailand, wird jedes Jahr ein Volksfest gefeiert, beim dem ein geschmücktes Boot zu Wasser gelassen wird. Mit ihm sollen das schlechte Karma, alle Sorgen und Ängste, einfach davonfahren. Mit dabei in der fröhlichen Menge: 14 demenzkranke Menschen aus Europa, die in „Baan Kamlangchay“ leben, einer Pflegeeinrichtung, die der Schweizer Martin Woodtli gegründet hat. Einblicke in dieses Leben gibt der Dokumentarfilm „Das Dorf der Vergesslichen“ von Madeleine Dallmeyer, der am Montag Abend im Kino Universum lief und noch einmal am Sonntag um 11.15 Uhr zu sehen ist.

Geradezu paradiesisch ist die Betreuung in „Baan Kamlangchay“: Die Gäste sind über mehrere Häuser im ganzen Dorf verteilt, jeweils zwei wohnen zusammen in einem Haus. Für die Einwohner von Faham gehören sie ganz dazu. Auf einen Patienten kommen drei Pflegerinnen, jeweils zwei teilen sich Tag- und Nachtschicht, während die dritte frei hat. Alle sind also rund um die Uhr versorgt – und wie! Da wird gesungen, gelacht, getanzt, leckeres Obst geschmaust, geschwommen, ein Ausflug gemacht. Rücken werden eingeseift, Prothesen eingesetzt und Hosen gewechselt, wenn mal was daneben gegangen ist. Der Patient Martin blättert in einer Jagdzeitschrift. Er war früher selbst Jäger. Nun versucht er, seiner Pflegerin, das schwierige Wort „Elch“ beizubringen – sehr zu beider Erheiterung. Auch miteinander haben die Gäste viel Spaß: Ruth und Maria lachen sich schlapp. Martin genießt mit Kurt ein Zigarette: „Und wenn einer von uns mal wieder spinnt – wir wissen’s auch, oder?“ „Jojo.“

Die meisten der liebevollen Betreuerinnen sprechen ein wenig Deutsch oder Englisch. Sie haben auch die Aggressionen und die Beschimpfungen ihrer Schützlinge auszuhalten. Geri brabbelt Unverständliches und ist von der demenztypischen Unruhe befallen, dauernd rennt er herum oder weg. Doch seine Pflegerin sagt: „Ich habe ihn lieb wie einen Vater. Ich mag nicht dran denken, dass er eines Tages sterben wird.“ In Thailand ist es nicht üblich, für die Pflege Geld zu nehmen, es ist selbstverständliche Pflicht.

„Ich möchte, dass mein Vater an einem Ort ist, wo er glücklich sein kann“, sagt Kurts Tochter mit Tränen in den Augen. Ruth bekommt einen Anruf von ihrer Tochter, aber …

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Das erste Kunstwerk, das mittels eines Spiegels den Bildraum erweitert, ist „Die Hochzeit des Giovanni Arnolfini“ von Jan van Eyck aus dem Jahr 1434. Zahlreiche berühmte Gemälde, in denen Spiegel eine bedeutungsvolle Rolle spielen, sind seitdem entstanden. Was aber, wenn dieser Spiegel durchsichtig wird? Oder wenn das eigentlich Unsichtbare, die farblose Glasscheibe, zu spiegeln beginnt? Dann entstehen Bilder wie die von Jürgen Durner, dessen Ausstellung „Im Auge des Spiegels“ nun im Kunstverein Wolfenbüttel zu sehen ist.

Der 1984 in Nürnberg geborene Künstler studierte freie Malerei an der Akademie der Bildenden Künste in Nürnberg und an der Ecole des Beaux Arts in Paris. Unter anderem schuf er auch Bühnenbilder und Wandgemälde. 2002 und 2003 Arbeitsaufenthalte in New York und London. Achtmal wurde er mit einem Preis ausgezeichnet, zuletzt, 2010, mit dem Publikumspreis der 1. Triennale der Kunsthalle Schweinfurt.

„Das plane Glas hat eine Eigenschaft, die das gemalte Bild schon vorauswirft. So verdinglicht es sich in meiner visuellen Wahrnehmung als Malerei, während ich in die Abgründe seiner Transparenz blicke“, so Jürgen Durner. „Die Glasscheibe ist also der Bild-Macher, sie tut es eigentlich bereits ohne mich oder bewahrt das Bild für mich auf, bis ich es finde. Das Künstlerische besteht für mich in einer Art Verdichtung vorgegebener Themenzüge (…). D.h. Kunst kann für mich nur in einem Gebilde entstehen, das sich aufgrund von spielerischen und gestalterischen Prozessen in ein komplexes System entwickelt, ganz so, wie es die vielschichtigen Ebenen des an sich unsichtbaren Glases vorgeben.“

„Apple and Rose II“ von 2018 ist ein solches komplexes System: der Blick auf und durch eine Fensterscheibe in ein Arbeitszimmer, wo ein aufgeklapptes Notebook von Apple Macintosh auf dem Schreibtisch steht; im Hintergrund eine Tür, ganz vorn rechts, angeschnitten, eine Stuhllehne. Auf dem Fenster, der vordersten dieser hintereinander gestaffelten Raumebenen, schwebt die Spiegelung einer Rosenranke mit einer einzigen roten Blüte; sie wirft zugleich einen filigranen Schatten auf einen weißen Vorhang. Die Konturen sind unscharf, Innen- und Außenraum verschwimmen ineinander in einem flüchtigen, träumerischen Moment, der sich im Nu wieder auflösen wird… In „Oase“ von 2017 spiegelt sich ein Dschungel in mannigfaltigen Grüntönen in einer wogenden Wasserfläche.

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„Sie, Herr Landrat, kann mit dem Atom da auch wirklich nix passieren? Und wenn mal was explodiert?“ Mit diesen Fragen wendet sich auf einem Volksfest eine besorgte Frau an Landrat Schuierer. Iwo, antwortet der, bald sei Atomkraft so selbstverständlich wie die Eisenbahn, zu der es anfangs ja auch jede Menge Bedenken gegeben habe. Schuierer (Johannes Zeiler) ist begeistert von der geplanten Wiederaufbereitungsanlage Wackersdorf, soll sie doch seinem strukturschwachen Landkreis Schwandorf in der Oberpfalz 3000 Arbeitsplätze bescheren. Da hatten der bayerische Umweltminister (Sigi Zimmerschied) und Dr. Billinger vom Bauunternehmen (Fabian Hinrichs) leichtes Spiel mit ihm. Doch Schuierer muss sich eingestehen: Von Atomkraft hat er keine Ahnung. Und so sucht er verstohlen in der Stadtbibliothek nach Fachliteratur. Seine Zweifel wachsen. Die widerrechtliche Beseitigung – auf Anweisung der Landesregierung – eines hölzernen Turms, den WAA-Gegner auf dem Baugelände errichtet haben, bringt die Wende: „Wie bei den Nazis!“ konstatiert Schuirer entgeistert und verkündet seinen Mitarbeitern: „Solange ich noch Zweifel habe, werde ich nichts unterschreiben.“

Schuierers Entwicklung vom Befürworter zu einem der führenden Gegner der WAA steht im Fokus des Spielfilms „Wackersdorf“, der die Geschehnisse im Vorfeld des Baubeginns und den wachsenden Widerstand gegen die WAA Anfang der 1980er Jahre wieder aufleben lässt. Am Samstag ist er im Kino Universum im Beisein des Regisseurs Oliver Haffner angelaufen.

Mit dem Druckmittel der Unterschriftsverweigerung ist es bald Essig: Auf Betreiben des neuen Staatssekretärs (Frederic Linkemann) erlässt die bayerische Landesregierung die (nur einmal angewandte, aber bis heute bestehende!) „Lex Schuierer“, wonach die Unterschrift des Landrats nicht mehr erforderlich ist. Schuierer hat bald das erste Disziplinarverfahren am Hals und sieht mit Ende 50 seine berufliche Zukunft und bürgerlichen Sicherheiten bedroht. Trotzdem kämpft er weiter und rauft sich sogar mit der aufmüpfigen Monika Gegenfurtner (Anna Maria Sturm), der treibenden Kraft der Bürgerinitiative, zusammen. Dokumentaraufnahmen zeigen, wie massiv die Polizei damals gegen die WAA-Gegner zu Felde zog. Mit alten Nachrichten über den GAU in Tschernobyl und seine weitreichenden Folgen für die Umwelt endet der Film.

Was ihn, Jahrgang 1974, zu dem Film bewegt habe, lautet die erste Frage an Oliver Haffner. Er sei in Bayern und München in der von Franz Josef Strauß geprägten Atmosphäre aufgewachsen, seine ältere Schwester habe auch gegen die WAA gekämpft. Fukushima und der Ausstieg aus der Atomenergie hätten ihn ebenfalls motiviert, antwortet der Regisseur. „Ich wollte einen Film über die Zivilgesellschaft und das Demokratieverständnis machen, der Mut und Kraft zum Handeln gibt. Nach dem neuen bayerischen Polizeigesetz wäre ein solcher Widerstand heute gar nicht mehr möglich, Sie würden schon verhaftet, bevor Sie zu Hause aus dem Bett aufgestanden sind.“ Diese Ermutigung können wir brauchen (Hambacher Forst, niedersächsisches Polizeigesetz)! Auch ein Film über seine Heimat Bayern sollte es sein, die vielfältig sei und nicht nur das Bundesland der CSU. Der Bau der WAA sei schließlich aus wirtschaftlichen Gründen eingestellt worden, da die Franzosen die Wiederaufbereitung abgebrannter Brennstäbe günstiger anbieten konnten. Doch zur Unrentabilität der WAA hätten die Gegner sehr viel beigetragen, insofern sei das letztlich auch ihr Erfolg.

Obwohl die Grenzen zwischen den „Guten“ und den „Bösen“ ein wenig zu klar verlaufen, ein sehr sehenswerter Film mit einem hervorragenden Johannes Zeiler in der Hauptrolle. Erfolg ist ihm auf ganzer Linie zu wünschen!

Aus der Serie Horse (2007-2014)

Sanft, fast demütig hält das Pferd den Kopf gesenkt, den Hals im Bogen gespannt. Und es ist weiß, so weiß… Sogar die langen Wimpern haben diese Farbe. Ein anderes Bild geht ganz nah an das Ohr des Tieres heran, jedes der weichen Haare im Inneren zeichnet sich vor dem Himmel ab. „Pferde waren mir immer wichtig“, erzählt Jitka Hanzlová auf dem Presserundgang. „Als Kind wollte ich unbedingt eins haben, aber Reiten war in der CSSR als aristokratisch verpönt. Mit 15 Jahren bekam ich dann die Gelegenheit, in einem Pferdestall als Pflegerin zu arbeiten. Da war ich dann immer mit 13 Pferden allein. Ich habe geschwiegen und die Körpersprache der Pferde wahrgenommen. Irgendwann habe ich dann begonnen, die Menschen so zu beobachten, wie ich die Pferde beobachtet habe, ihre Körpersprache.“ Horse (2007-2014) ist eine der vier Serien der in Essen lebende Fotografin, die nun unter dem Titel „Between Continuum“ im Museum für Photographie Braunschweig zu sehen sind.

Hanzlová wuchs im Dorf Rokytník in Ostböhmen auf. 1982 floh sie aus der Tschechoslowakei/CSSR nach Deutschland und studierte von 1987 bis 1994 Visuelle Kommunikation mit Schwerpunkt Fotografie an der Universität-Gesamthochschule Essen. Kurz nach 1990 kehrte sie erstmals nach Rokytník zurück und begann dort ein Langzeitprojekt, das 1994 zu ihrer Diplomarbeit wurde. Von 2005 bis 2007 hatte Hanzlová eine Gastprofessur an der Hochschule für bildende Künste Hamburg inne, seit 2012 ist sie Gastprofessorin an der Zürcher Hochschule der Künste.

In Rokytník, jenem ersten, inzwischen berühmten Langzeitprojekt (1990-1994), hat die Künstlerin Eindrücke aus ihrem Heimatdorf aufgenommen: Menschen, Tiere, Kinder, Wäsche auf der Leine, ein Haus im Schnee; ein Junge tanzt auf der Wiese mit einem Schaf. Mit zärtlichem Blick hat sie durch die (analoge) Kamera ein unsentimentales Idyll erschaut und Bilder in weichen, etwas verwaschenen Farben geschaffen. Zu der Serie wird hier erstmals ein ebenfalls damals entstandener Film gezeigt. „Ich gehe zurück zur Vergangenheit, um in die Zukunft zu schauen“ lautet ein viel zitierter Satz von Hanzlová, und sie ergänzt ihn: „Man muss erst einen Bruch mit der eigenen Vergangenheit vollziehen, eine Distanz zu ihr finden, um sie dann wieder neu entdecken. Wenn man zurückkehrt, ist das fast wie ein Konflikt.“

Die Bilder der Folge Forest (2004–2006) sind keine realistisch-abbildenden Aufnahmen vom Wald, sondern traumartige, meist nächtlich-dunkle Bilder von großer poetischer Kraft. „Sie kommen aus dem tiefen Inneren, so wie von einer Hand, die in einem Handschuh steckt“, schrieb der Kunstschriftsteller John Berger dazu. Auf die Frage, ob es eine Beziehung ihrer Fotografie zur Malerei gebe, antwortet Hanzlová: „Das müssen die Kunsthistoriker sagen. Ich selbst gehe nie von Bildern aus. Es gibt ein wunderbares Buch von Alfred Renger-Patzsch über Bäume, das schönste Buch, das ich kenne. Das habe ich damals immer wieder angesehen. Aber irgendwann habe ich es weggelegt und den Weg zu den Bildern in meinem eigenen Inneren gefunden.“ Der Anblick einer alten Birke im Mondschein war der Auslöser dafür.

Und schließlich die Reihe Vanitas: Vor schwarzem Grund erscheinen wie farbige, fragile Skulpturen einzelne verwelkende Blüten, direkt von vorn oder von oben aufgenommen: ein von Samenfäden umschwirrter Löwenzahn, eine aufgebrochene Sonnenblume, eine vertrocknete Hortensie… Mittendrin eine Spinne, deren Faden seit alters ein Symbol für die verrinnende Zeit ist. Inmitten des Verfalls offenbaren die Blumen eine ganz eigene Schönheit – „Between Continuum“.

Toll, dass es dem Museum für Photographie gelungen ist, diese große Künstlerin für eine Ausstellung in Braunschweig zu gewinnen! (Bis 2.12. Museum für Photographie Braunschweig, Helmstedter Straße. Öffnungszeiten: Di-Fr 13-18 Uhr, Sa + So 11-18 Uhr. Dazu wird ein umfangreiches Begleitprogramm geboten. Die Ausstellung ist ein Kooperationsprojekt mit der Städtischen Galerie Wolfsburg, wo weitere Arbeiten von Jitka Hanzlová gezeigt werden. u.a. Portraits.)

Das 2 Meter hohe, 6 Meter lange Gemälde zeigt eine Zimmerwand mit gemusterter Tapete. Darauf „hängen“, als Trompe-l’œil gemalt, Bildzitate aus Geschichte, Fotografie, Film und Malerei der Zwanziger Jahre. Es beginnt mit der Ausrufung der Republik durch Philipp Scheidemann und der Ausrufung der freien sozialistischen Republik durch Karl Liebknecht, beide Ereignisse fielen am 9. November 1918 zusammen. Es folgen unter anderem Bilder von Lotte Laserstein, Käthe Kollwitz, George Grosz; zum Abschluss ein Foto von Otto Wels bei seiner Rede gegen das Ermächtigungsgesetz 1933. Unten kriecht – vielleicht von frühen Stummfilmen inspiriert – unheilvoll ein schwarzer, sich immer weiter aufrichtender Schatten heran, um endlich als Adolf Hitler vor einer geöffneten Tür zu stehen. (Warum nur betrachtet er ein Ei in seiner Hand?)

Das Gemälde ist Teil des Projekts „Kreuzgang: Vom Suchen und Finden der Deutschen“, an dem der Maler Wolf Menzel seit November 2014 arbeitet. Menzel, der sich selbst „Bildermacher“ nennt, lebt und arbeitet seit den 1980er Jahren in Braunschweig, wo er seit 2010 Kunst- und Kulturprojekte im öffentlichen Raum entwickelt. Eine ähnliche Bildcollage wie hier hatte er bereits zum Jubiläumsjahr 2013 gemeinsam mit seinem Kollegen Martin Seidel geschaffen. Sein Bilderzyklus „Kreuzgang“ behandelt in vier Bildwänden die deutsche Geschichte von der Weimarer Republik über die Zeit des Nationalsozialismus und das geteilte Deutschland bis zur Gegenwart nach der Wiedervereinigung. Geplant ist offenbar, die vier Teile zu einem Innenraum zusammenzusetzen, der den Betrachter wie ein Panorama umgibt. Und warum heißt das Ganze „Kreuzgang“? Dazu der „Bildermacher“ selbst: „Ein Kreuzgang ist ein baulicher Teil eines Klosters, einst ein Ort des Lernens, des Lehrens und der Einkehr. Der Kreuzgang jedoch beschreibt die Gangart eines jeden landlebenden Wirbeltiers. Zusammengefasst bilden beide Erklärungsmodelle für mich die Essenz vom Suchen und Finden, der Bewegung im Aufbruch, des Lernens, der Einkehr und der daraus abzuleitenden Lehre.“

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„Anschaulich, bildhaft, ja illustrativ sind die Orgelstücke von Olivier Messiaen. Außerdem war Messiaen Synästhet, der bei Klängen Farben gesehen und bei Farben Klänge gehört hat“, erläutert Kantor Bernhard Schneider zu Beginn des Konzerts am Samstag Abend im Chor von St. Aegidien. Es bildete den Auftakt zum Festival „Antiphonale – Neue Musik in der Kirche“, veranstaltet vom Verein „Freunde Neuer Musik Braunschweig“ unter der künstlerischen Leitung von Vlady Bystrov. Neben neuer Chormusik standen auch Orgelwerke des französischen Komponisten (1908-1972), der 1991 mit dem Louis Spohr-Preis der Stadt Braunschweig geehrt wurde, auf dem Programm, fein differenziert gespielt von Schneider selbst. Im atonalen Stück „Apparition de l’Eglise Éternelle“ (Erscheinung der ewigen Kirche) erklingen in den Höhen clusterartige Akkorde, während das Pedal in den Tiefen die wuchtigen Steinquader hörbar macht. „Le banquet céleste“ (Das himmlische Gastmahl) ist nichts anderes als die Wandlung von Brot und Wein in Leib und Blut Christi, eine Kette von vereinzelten Tönen im koloristischen Gesamtklang stellt hier die Blutstropfen dar. In „Le verbe“ (Das Wort) funkelt zu Anfang der Morgenstern, ehe das Wort Gottes sich herabsenkt, die Menschen zunächst in Verwirrung stürzt und sich dann in einer meditativ schwebenden Melodie ausbreitet. In „Les Anges“ schließlich lassen die Engel ihre Stimmen als munteres Vogelkonzert ertönen.

Mit „In Silence“ gelangte die erste von zwei Kompositionen der Estin Helena Tulve zur Aufführung, die auch anwesend war. (Als „Composer in Residence“ dieses Jahres widmete ihr das Festival ein Komponistinnenportrait.) Das Stück ist ein Dialog zwischen Männerstimmen und einer Improvisation für Saxophon (eigentlich Trompete), ausgeführt von Vlady Bystrov. Dessen  souveränen, expressiven Spiel war der Chor mit seinem anspruchsvollen unisono-Part – mal chromatische Linien, mal große Sprünge – allerdings kein gleichwertiger Partner.

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