Wovor kann man heutzutage nicht alles Angst haben: Armut, Krieg, Krebs, Kriminalität, Terror, Flüchtlinge, Neonazis, Gift im Essen, Zeckenbisse, vor Sterben und Tod sowieso! Nun ist Angst ja eigentlich etwas Positives, nämlich ein auf Erfahrung beruhendes Warnsignal für Gefahr. Setzt sie sich jedoch unbegründet fest, hindert sie den Menschen an der Weiterentwicklung. Das weiß jeder, doch: Was tun? In ihrer Ausstellung „Future Alchemy“ im Kunstverein Wolfenbüttel bietet Sarah Mock jetzt endlich die ultimative Lösung an: Transformation durch Alchemie! Die 1984 in Worms geborene Künstlerin, die im letzten Jahr den renommierten Pfalzpreis für Bildende Kunst erhielt, studierte Medienkunst in Mainz, Kassel und Berlin, wo sie heute lebt und arbeitet. Prägend für ihr Werk wurde ein zweijähriger Studienaufenthalt 2014/15 in Südkorea, dessen traditionellen Schamanismus sie hier mit dem zeitgenössischen Klima der Angst verknüpft.

In Wolfenbüttel zog Mock, auch angeregt durch entsprechende Bestände der Herzog August Bibliothek, die Alchemie in den Bann. Zu dieser alten Lehre von den Eigenschaften der Stoffe und ihren Reaktionen gehörte die Umwandelbarkeit von Metallen und anderen Elementen, unter anderem in Gold. Nun hat das bekanntlich ja leider nie geklappt, aber Ihre Ängste werden Sie in Mocks „Destillierapparat“ garantiert los – glauben Sie mir, ich habe es ausprobiert! Alles beginnt dort, wo die Urangst unserer Kindertage sitzt: im dunklen Keller. In diesen Orkus steigen Sie, mit einem Schlüssel bewaffnet, hinab, schreiben in der Syberbergschen Atmosphäre des alten Banktresors ihre Ängste auf und sperren sie in ein Schließfach. Zuvor entnehmen Sie das beschriftete Blatt ihres Vorgängers und werfen dieses dann, wieder am Tageslicht, in besagten „Destillierapparat“. Schon beginnt er, zu kochen, zu brodeln und zu dampfen, schon verwandeln sich die Ängste… Flüssigkeiten strömen durch Schläuche, die sich quer durch den ganzen Raum spannen und in Infusionsbeutel an knallpinkfarbenen Ständern münden.

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Auch in diesem Jahr präsentiert sich der Wolfenbütteler Frühjahrssalon mit Werken von vier Künstlerinnen und Künstlern wieder abwechslungsreich und spannend: Skulpturen von Anna Maria Meyer, Druckgraphiken von Melanie Schöckel, Malerei von Uschi Korowski und Objekte von Timo Hoheisel, der stärker konzeptionell ausgerichtet ist, füllen die schönen, lichten Räume mit einem breiten Spektrum an Techniken und künstlerischen Herangehensweisen. Besonders schön an dieser Ausstellung ist, dass es zwischen den vier Oeuvres formale Ähnlichkeiten und Analogien gibt, die eins mit dem anderen ästhetisch verknüpfen.

Anna Maria Meyer, 1987 in Wolfenbüttel geboren, reizen biomorphe Formen. Ihre Arbeiten sind im Übergang zwischen Zeichnung und Skulptur angesiedelt. Draht formt sie zu großen wolkenartigen Gebilden, die plastisch und durch die Überschneidung des Maschennetzes zugleich linear-zeichnerisch erscheinen. „Ich versuche immer ein an und für sich schweres Material leicht zu machen“, sagt die Künstlerin. Hier und heute hat sie sich aber auf kleine Formate beschränkt. Von ihrer Begeisterung für Organisches zeugen weiße Formen aus Modelliermasse und Ton mit konvexen und konkaven Rundungen, die an Hans Arp erinnern. Andere Objekte sind angeregt von sogenannten Hühnergöttern. Das sind Feuersteine mit Löchern und Hohlräumen, die man einst an Stalltüren aufhängte, um die Hühner vor Füchsen, Krankheiten und bösen Geistern zu schützen. Die Objekte werden vorgedacht, ihre Gestalt gefunden in feinen Bleistiftzeichnungen, in denen an- und abschwellende, mal hellere, mal dunklere Linien den Eindruck von Plastizität und Räumlichkeit hervorrufen. Besonders faszinierend sind jene Arbeiten, die mit dem 3-D-Stift geschaffen wurden: Eine ideell unendliche, nie abreißende Linie bringt eine Zellstruktur hervor, die ins Dreidimensionale hineinwuchert, sich wölbt, biegt, abknickt. Die dritte Dimension muss dabei von der Künstlerin schon beim Zeichnen mitgedacht werden.

Die Linie finden wir bei Melanie Schöckel als Kalligraphie, in der schwungvoll fließenden Schrift, mit der sie selbstgedichtete Haikus in ihre Graphiken integriert. Die Künstlerin, Jahrgang 1973, studierte an der Hochschule für angewandte Wissenschaft und Kunst in Hildesheim Druckgraphik, Illustration, Kalligraphie sowie Freies Malen und Zeichnen. Ihre freie künstlerische Arbeit ergänzen seit 2007 verschiedene Lehrtätigkeiten an Schulen, Bildungseinrichtungen und im eigenen Atelier in Klein Flöthe. Mit ihren Künstlerbüchern und Leporellos ist sie auf Buchmessen vertreten. Höchst phantasievoll experimentiert sie mit den Techniken Monotypie, Lithographie und verschiedenen Verfahren der Radierung: Ätz- und Strichradierung, Kaltnadel, Aquatinta, Vernis mou und Zuckeraussprengverfahren. Sie wendet z.B. eine Methode der Lithographie auf Metall an, bei der Coca-Cola die Rolle übernimmt, die in der Steinlithographie der Salpetersäure zukommt. Mit diesen Mitteln schafft sie einen kleinen, vielfältigen Kosmos zwischen Linien, Flächen und reichen Abstufungen von Grautönen, die als Farbwerte wahrgenommen werden. Auflagendrucke gibt es bei ihr nicht, jeder Druck ist ein Unikat. „Federleicht“ ist Melanie Schöckels Thema. Das Motiv der Feder, Naturgegenstand ebenso wie Schreib- und Zeicheninstrument, erscheint mal als zarter, heller Flaum, mal als schwarzer oder wolkig-grauer Schatten, mal als scharf gezackter Umriß, mal von der linearen Binnenzeichnung her aufgefasst.

Zwei Werkgruppen präsentiert Uschi Korowski, die Mathematik, Medizin und Biologie studierte und in Elektronenmikroskopie promoviert hat. Bei der ersten Gruppe handelt es sich um Versuchsreihen von

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My inner racist (Ausschnitt)

„Tick!“, „Tick!“, Tick!“ Bei jedem „Tick“ spießt Knud Balandis mit dem Zeigefinger eine seiner Radierungen auf, die in der Galerie „VitaMine“ an den Wänden hängen. Dann hat das Publikum Gelegenheit, Fragen zum Werk zu stellen. Fragt niemand, geht’s weiter zum nächsten. So führt der Künstler durch seine Ausstellung, die bis zum 14. Mai in der Karl Marx-Str. 6 zu sehen ist. „Kunst machen bedeutet für mich, poetische und berührende Momente festzuhalten, um vielleicht beim Betrachter ähnliche Empfindungen auszulösen“, sagt Balandis gleich zu Anfang. Fragen werden viele gestellt, zum Beispiel nach der Technik. Viele der Graphiken sind Kombinationen aus Hoch- und Tiefdruck von ein und derselben Radierplatte, in Schwarz und einer Farbe übereinander gedruckt. Andere Radierungen sind mit Zeichnung kombiniert. Manche schwarzweiße Blätter, die wie Linolschnitte wirken, stammen von einem in Gips geschnittenen Druckstock – „Das ist leichter, da verletzt man sich nicht so schnell wie bei Linol.“

Jemand möchte wissen, was denn nun eigentlich dargestellt ist und was es zu bedeuten hat. Galerist Thorsten Stelzner lies erst einmal den Titel vor: „Wo der Nachtvogel seine traurigen Niedrigkeiten zwitschert, lasst mich in Verlorenheit leben“. Doch der Künstler stellt fest: „Jetzt willst Du eine Erklärung, noch bevor Du es Dir angesehen hast“, und verweigert diese zunächst einmal. Hinschauen muss man selbst und kann dann inmitten scheinbar chaotisch wirbelnder Linien und Schlieren auch gegenständliche Anklänge – Gesichter, Körper, Tiere – entdecken. Nur manchmal sind ganze Gestalten abgebildet wie ein Elefant, eine drallrosa, barbusige Dame auf dem Blatt „Oben ohne“ oder „Hänsel und Gretel angesichts erheblicher Probleme“.

Oben ohne

Gibt es bei der Hängung einen inneren Zusammenhang, so etwas wie eine Entwicklung? Der Titel der Ausstellung, „Das Gelbe vom Auge“, signalisiere bereits, dass es um Ungesundes gehe wie etwa Drogen, auch das Sterben und den Tod, der auch sei eben nicht nur so humorvoll, wie es auf den ersten Blick scheine. Die Kunsthistorikerin fragt, ob es eine Verbindung zu Dubuffet gebe, manches erinnere sie an ihn – oder seien ihm solche Vergleiche gar nicht recht? „Ach, es gibt Schlimmeres als mit der Art brut zusammengebracht zu werden“, lautet die Antwort, aber die Verbindung sei eher indirekt; mehr haben ihn Comics beeinflusst, von denen er eine umfangreiche Sammlung besitze, aber viele der Zeichner kennen natürlich Dubuffet und die Art brut sehr gut. Eine Arbeit – Balandis ist auch Musiker – ist von Strawinskys „Le sacre du printemps“ angeregt. Das große farbige Bild „My inner Racist“ sei der pure Jazz, so der Künstler. Eine Serie ist dem Heiligen Georg gewidmet. Auf jedem Blatt findet man den Ritter mit seinem Pferd, den Drachen, manchmal auch die Jungfrau, aber der Drache siegt immer…

Noch eine Frage: „Wie muss ich mir das vorstellen? Was kann ich denn jetzt als Aussage mit nach Hause nehmen?“ Antwort: „Du musst überhaupt nichts. Wichtig ist allein das sinnliche Erlebnis.“

Mit dieser Ausstellung feiert zugleich die „VitaMine“ ihr 2jähriges Jubiläum. Mit Torsten Stelzner und Knud Balandis haben sich zwei unkonventionelle, freie Geister gefunden. Auf die Frage „Könnt Ihr denn von der Kunst leben?“ würden wohl beide antworten: „Ich lebe nicht von der Kunst, sondern für die Kunst.“ (Bis 15. Mai, Vitamine, Karl Marx-Str. 6, Mo-Fr 10 – 13.30, Mo und Mi 17 – 19.30, Do 16 – 18.30, So 14 – 17 Uhr)

“Raus!”, und setzte sich ein Drogenkrönchen auf

… in Klotten an der Mosel:

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„andere Situation“ heißt die neue Ausstellung im Museum für Photographie. Eine andere Situation schuf Florian Slowata (geb. 1972) 2009 bis 2012, als er das Interieur seines Ateliers, vom Inventar befreit, aus unterschiedlichen Blickwinkel fotografierte. Eine Serie von 36 nüchternen Schwarzweißaufnahmen entstand, in denen die leeren Räume zu verheißungsvollen Metaphern für zukünftige Ideen und Gestaltungsprozesse wurden. Slowata, erst Professor an der Universität der Künste Berlin, dann an der Kunsthochschule Kassel, war Lehrer der ferner beteiligten vier Künstlerinnen und Künstler. Alle fünf haben in vier Räumen ihre Arbeiten zu feinfühlig abgestimmten Kompositionen zusammengefügt, sowohl innerhalb der jeweiligen Raumgrenze als auch darüber hinaus. Dabei bleibt Slowata mit nur sieben Aufnahmen seiner Serie ganz im Hintergrund und lässt seinen Schülerinnen und Schülern den größten Spielraum.

Mickaël Marchand

„Ich bin eigentlich gar kein Fotograf“, sagt Mickaël Marchand (geb. 1982) von sich. 2009-2015 hat er, inspiriert von multiperspektivischen Bildern David Hockneys, in den Straßen Berlins aus dort vorgefundenen Dingen instabile Skulpturen gebaut, sie aufgenommen und diese Bilder wiederum zu Dia-Collagen zusammengefügt. Im dunklen Ausstellungsraum strahlen sie an den Wänden. Die Projektoren sind eingehaust in Kästen, die auf fragilen „Sockeln“ aus Kuben, Stühlen, Bänken stehen und so selbst wieder eine Skulptur bilden. Ausgehend vom einzelnen Ding über das Arrangement im Stadtraum, die Fotos und Collagen bis zur Skulptur wächst mit jedem Schritt die Komplexität bis hin zu dekonstruktivistischen, dreidimensionalen Ensembles, die im Raum miteinander und mit den Projektionen interagieren – eine Arbeit von faszinierender Vielschichtigkeit!

Romina Abate

„Welche Bedeutungsebenen außer denen, die wir schon kennen, können die Dinge noch haben? Wie entstehen Bedeutungsverschiebungen?“ fragt Romina Abate (geb. 1982). Sie sammelt Alltagsgegenstände, Gefundenes, Zurückgelassenes und baut diese Objekte mit Fotos zu raumgreifenden Installationen zusammen, in die sie oft Selbstinszenierungen einfügt. So posiert sie in einer klassischen Haltung auf einem Stein, dahinter ein weißes Rechteck wie beim Fotoshooting, dahinter wiederum die Aufnahme einer städtischen Szenerie mit Hochhaus, und das Ganze montiert auf eine spiegelnde Metallfläche.

Frank Dölling

„Wie sehen wir Bilder neu, wie sehen wir Bilder immer wieder?“ Frank Dölling (geb. 1990) beschäftigt das Thema Erinnerung. Ein Großfoto zeigt den Blick in eine Ausstellungssituation: ein Luftschacht, eine Videoarbeit von ihm (unscharf), eine Tür – Flächen, die sich zu einem poetischen, abstrakten Bild verzahnen. Eine andere Aufnahme greift den Vorhang im Raum auf, und aus dem Fenster daneben schaut man auf Döllings Video, das auf die Glasscheiben des Torhauses gegenüber projiziert wird. An einer Wand beeindruckt ein Tableau von exzentrisch gehängten, sehr sensiblen Arbeiten.

Johanna Jaeger

„Wie sehen wir die Welt anhand eines einfachen Objektes? Welches Verhältnis besteht zwischen Fotografie und Farbe?“ fragt Johanna Jaeger (geb. 1985) in ihrer Serie von Aufnahmen eines Farblichtmessers aus den 50er Jahren. Die Schwarzweißfotos hat sie mit zartem Blau, Gelb, Rot überzogen und die Jalousie daneben mit fotochromen, das Licht farbig brechenden Elementen beschichtet. An anderer Stelle zeigt sie eine Folge von hochästhetischen Fotos eines kippenden Wasserglases, in dem sich ein Tropfen Tinte von Mal zu Mal immer wolkiger auflöst. Analog zum schrägen Pegel der Flüssigkeit hat sie eine Wand gekippt – ein Zusammenspiel zwischen Raum und Bild, wie es insgesamt diese schöne Ausstellung charakterisiert.

… der Galeristin des Bundes Bildender Künstler Braunschweig, über die geplante Streichung des beliebten Kunstevents und was man dagegen tun kann.

Kunst … hier und jetzt 2015, Foto: Braunschweigische Stiftung

Frage: Wie die Organisatorin Dr. Anne Mueller von der Haegen mitteilte, steht “Kunst … hier und jetzt” vor dem Aus, weil die Braunschweigische Stiftung nach 10 Jahren ihre Förderung einstellt. Was bedeutet dieses Kunstevent für Dich persönlich und für die Kunstinteressierten in der Region Braunschweig?

Taut: Für mich persönlich bedeutete kunst…hierundjetzt viel Besuch. Aus Hamburg, Berlin und Frankfurt reisten Freunde an und freuten sich auf die Künstler. Jeder bekam ein Programmheft mit unzähligen Anmerkungen – leuchtende Augen und langanhaltende Erinnerungen an intensiven Kunstgenuss in den Ateliers waren garantiert.

Für die Kunstinteressierten in der Region Braunschweig fehlt nun der direkte Kontakt zu den Künstlern. Kunst…hierundjetzt vermochte es, unmittelbar zu begeistern ohne Furcht vor Galerieverhalten und Wissenslücken. Für die meisten Besucher aus der Region Braunschweig wurden Quantität und Qualität regionalen Kunstschaffens erst durch die Präsenz der Künstler bei kunst…hierundjetzt deutlich. Die Konzentration von Künstlern in Braunschweig und Umgebung ist außergewöhnlich hoch- das Kunstfest der offenen Ateliers verdeutlichte dies. Die kuratierte Auswahl an teilnehmenden Künstlern ermöglichte überdies ein tiefes Verständnis der verschiedenen Kunstgattungen.

Frage: Was bedeutet es für die Künstlerinnen und Künstler?

Taut: Für die Künstlerinnen und Künstler fehlt nun dieses eine besondere Wochenende im Fokus der öffentlichen Wahrnehmung. Dabei sind nicht nur die Kontakte und das Erweitern des Netzwerkes um potentielle Käufer relevant, sondern der direkte Kontakt mit dem Publikum- Kunst braucht Rezipienten. Die regionalen Ausstellungsmöglichkeiten sind überschaubar, “kunst…hierundjetzt” kompensierte teilweise das Fehlen einer ausgeprägten Galerielandschaft durch die vielen engagierten Besucher.

Frage: Warum sollte “Kunst hier und jetzt” weitergeführt werden?

Taut: Durch die Beschäftigung mit der Kunst am Ort ihres Entstehens, waren die Atelierbesuche im Rahmen von Kunst…hierundjetzt intensiv. Das Interesse für Kunst und für die Diversität ihrer Produzenten wurde durch die Atelierbesuche nachhaltig. Die exzellente Organisation von kunst…hierundjetzt in der Infrastruktur der Kunstvermittlung, in sämtlichen Drucksachen, im künstlerischen Rahmenprogramm und in der Koordination der Verkehrswege führten zu einem Ziel: In Freude an der Kunst von Freunden der Kunst. Dieses Ziel gilt es zu erhalten und zu fördern.

Julia, ich danke Dir ganz herzlich für das Gespräch!

Was bedeutet Ihnen “kunst … hierundjetzt”? Wenn Sie das Event unterstützen wollen, posten Sie bitte einen Kommentar – Vielen Dank!

Der Mann: Herbert Nauderer, Jahrgang 1958, Studium an der Akademie der Bildenden Künste München, verwaltet derzeit die Professur für Grundlehre Zeichnen im Studiengang Freie Kunst an der HBK Braunschweig. Die Maus: Sein Geschöpf und der Protagonist von „Parasite Island – mausmannsland“, einer Ausstellung Nauderers in der Galerie der HBK. Auf den ersten Blick ähnelt sie mit ihren großen runden Ohren Mickey Mouse, doch ist sie von deren Witz ebenso soweit entfernt wie von der Niedlichkeit eines Mäuschens. Wie im Gegenlicht erscheint ihre Silhouette meist groß und schwarz auf den schwarzweißen Bleistift- und Tuschezeichnungen, in Fotos einmontiert, als Maske oder als düsterer Schatten, etwa in einem spießigen Wohnzimmer der 50er Jahre. Da denkt man eher an jenes Tier, das – im Märchen – anstelle des Teufels aus dem Feuer springt, um wenig später die Seele eines Bischofs einzufordern. Oder an die Heerscharen von Ratten, die Graf Draculas Ankunft in England vorangehen.

„Der Mausmann steht für den Menschen an sich, für sein Sehnen und sein Scheitern, in einem ständigen Kreislauf.“ So Nauderer selbst, in Anlehnung an eine apokryphe Inschrift aus Delphi, um 540 v. Chr.: „Die Maus ist eine universale Erscheinungsform der menschlichen Seele (Psyche).“ Ein abgründiges Seelenpanorama ist es, was Nauderer da in Zeichnungen, Fotos, Collagen, Videos und Objekten ausbreitet. Vor allem die alten Fotos aus der Nachkriegszeit, in denen das bedrohliche Wesen mal als Familienvater, mal als Krankenschwester oder Bademeister herumspukt, durchzieht eine beklemmende Unterströmung. Dazu der Journalist Tilman Spengler: „Manche Betrachter werden sofort ‚Kafka’ rufen, doch das sind Zeitgenossen, die eine Maus nicht von einem Käfer unterscheiden können.“ Auch zu seltsamen Prothesen mutiert die Mausmaske, zu schwarzen Schläuchen, Röhren, Strahlen und Flüssigkeiten, die die Gesichter der Menschen auslöschen. Auf einer Zeichnung hockt das Tier als erdrückender Alp einem Kind auf der Brust, in einem Video stolpert es durch den Wald, auf der Suche nach einem Freund.

Im Kurzfilm „Parasite Island“ sieht man einem alten Ehepaar, grandios gespielt von Josef Bierbichler (mit dicken, schwarzen Ohrenschützern) und Sybille Canonica (mit Mausohren), bei ihrer trostlosen Mahlzeit zu. Während sie tintenschwarze Suppe löffeln, entspinnt sich ein destruktiver Dialog, der sich zu einem schier unerträglichen, hasserfüllten Staccato steigert. Im Nebenzimmer hockt derweil die Maus (Nauderer in Maske und schwarzer Latzhose) auf einem Bett und zerdeppert erst mutwillig ihren Teller, am Ende gar die Frau. Wirklich unheimlich gut, diese Ausstellung! (Bis 10.2., Hochschule für Bildende Künste, Johannes-Selenka-Platz, Öffnungszeiten: Mo bis Fr, 13 – 18 Uhr)

Im Kunsthaus des Bundes Bildender Künstler eröffnet die Vorstellung der neuen Mitglieder das Ausstellungsjahr 2017. Neun Künstlerinnen und Künstler präsentieren Zeichnungen, Fotografien, Skulpturen, Objekte und Installationen.

Anna Henke

Die Arbeiten von Uschi Korowski, die in Elektronenmikroskopie promovierte, sind strenge Versuchsreihen zwischen exakter Berechnung und Zufall, was schon in ihren nüchternen Titeln zum Ausdruck kommt, z.B. „600 Tropfen – No. 1c (d=16 cm, flächig, Rhythmus 10 x (20 sepia – 30 weiß – 10 gelb)“. Sie lässt pro Bild 600 Tropfen à 20 Mikroliter auf die Leinwand fallen und variiert dabei die Fallhöhe und damit die Resultate. Trotzdem: Immer nur Punkte sind – außer bei Yayuoi Kusama! – auf die Dauer doch etwas langweilig.

Timo Hoheisel begreift sich als „Alchimist und Forscher, der sich dem Material über dessen Eigenschaften und dessen Verhalten nähert.“ Ihn beschäftigt besonders „das Verhältnis zwischen der Materialität und dem Verbergen, Entziehen und Camouflieren von Inhalten.“ Er zeigt außer Fotografien eine ganze Wand voller kleiner, pastellfarbener Quader – Bücher, die er nach Entfernen des Einbands in Leim gekocht hat, „libri cotti“ sozusagen oder Papiermachée en bloc. Hier und da lugt noch ein Buchstabe der verschwundenen Schrift heraus…

Ulrike Wathling

Die abstrakten Federzeichnungen von Ulrike Wathling bilden in parallel geführten Linien verschlungene Schnüre ab, spüren Verflechtungen, Auflösungen und Netzwerken nach. Mit „anmutige Akribie“ prägte Galeristin Julia Taut dafür das treffende Wort.

Denis Stuart Rose, Mitglied der – ja, sowas gibt’s offenbar! – europäischen Totentanz-Vereinigung, bespielt den winterlichen Kunsthausgarten mit seiner Arbeit „Die verlorene Hoffnung (sehr frei nach Caspar David Friedrich)“. Die Großplastik ist, passend zur Jahreszeit, ein „Memento mori“ aus Beton, rostigem Stahl und Draht, angerichtet auf braun verwelkten Blättern.

Dennis Stuart Rose

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Braunschweig ist um ein neues Kunstereignis reicher: ARTcore, eine Gruppenausstellung im Raumlabor, Hamburger Straße, betritt mit Werken von 37 Künstlerinnen und Künstlern die Bühne der hiesigen Kunstszene. „Wir wollen die kreative Vielfalt der Region zeigen und zwar institutionenübergreifend“, so Stephen Dietl vom Verein ARTcore, der die Ausstellung kuratiert hat. Während normalerweise jede Institution ihre eigenen Künstler ausstelle, beteiligten sich nun Lehrende und Studierende der HBK, Mitglieder des Bundes Bildender Künstler, des Ateliers Geyso20 und der freien Szene. Arbeiten von Arrivierten seien ebenso zu sehen wie solche von jungen Künstlern oder Outsiderkunst. „Dabei wollen wir den Querschnitt der Bevölkerung und auch ein Publikum erreichen, das mit zeitgenössischer Kunst nicht so vertraut ist. Darum bespielen wir den Ausstellungsort vier Wochen lang mit verschiedenen Events.“

Christian Scholz

Den Auftakt machte am Eröffnungsabend Knud Balandis mit seiner Performance „Zeichne mir ein Schaf“. Von Kopf bis Fuß in weißgelocktem Kunstpelz eingehüllt, kroch er bäuchlings über den Boden und kritzelte immer mal wieder auf einem der überall verstreuten Blätter herum. Zum Live Jazz vom „Blue Moon Trio“ besichtigte das Publikum rund 80 Werke der Gattungen Malerei, Skulptur, Zeichnung, Fotografie und Video. Es lässt sich unschwer denken, dass eine solche Mischung äußerst durchwachsen ist. Nicht alles, was auf den ersten Blick groß oder provokant ins Auge springt, hält auch dem zweiten stand, etwa „Zwerg David, Von über mir, Bärmutter“ von Michael Nitsche, „Nation im Herbst“, ein mit schwarzrotgoldenen Plüschtierchen behängter Baum aus Karton von Jens Isensee, oder Friedhelm Kranz’ kitschiger Jesus, der in roter Leuchtschrift verkündet „I am not dead“. Ein starkes Bild dagegen ist und bleibt „Ain´t that love“, fantastisch gemalt von Ingo Lehnhof. Das Motiv des über und über mit Ejakulat bedeckten Gesichts einer jungen Frau, ein in Pornos massenhaft verbreitetes Motiv, gehört fast schon zum normalen kollektiven Bilderfundus; zu Kunst geadelt, gewinnt es auf einen Schlag seine ganze Obszönität zurück.

Anna Maria Meyer

Auch Anna Maria Meyers „Symbiont“, eine wolkige Form aus blau geglühtem Draht, die große Volumen mit kleinteiligen grafischen Strukturen vereint, hält stand. Genauso überzeugt Christian Scholz’ „unglaublich nah doch weit gefehlt“, eine Wandzeichnung in Kohle, deren Schwarz-Weiß ein aufmontierter Leuchtkasten ins Medium Licht übersetzt, eine Videoarbeit von Stella Wahlers und „Beati possidentes“ von Marlene Bart. Die Meisterschülerin von Wolfgang Ellenrieder an der HBK hat auf einem Wunderkammer-Regal Gläser mit in Ethanol eingelegten Nahrungsmitteln aufgereiht, die farblich in die konservierende Flüssigkeit ausbluten – glasklar und sehr ästhetisch.

Marlene Bart

Die schönsten Entdeckungen halten die Zeichnungen und kleinen Formate parat. Dazu gehören ein in feinen Gelbgrünnuancen gemalter Tondo von Sascha Dettbarn, zwei Fotografien eines Gletschergipfels von Birte Hennig, die streng linearen Kompositionen von Ina Falkenstern und die federleichten blauen Aquarellkringel auf weißem Papiergrund von Sina Heffner. Mit Witz, Charme und Bleistift umspielt Lutz Möller in einer kleinen Serie einen altmodischen Staubsauger, während Ute Helmbold brillante Illustrationen zu Storms „Schimmelreiter“ zu einem Tableau arrangiert hat. Lienhard von Monkiewitschs in Grautönen gehaltene Arbeit „Zwei Kuben, gegenläufig“ gewinnt, vor der Wand schwebend, durch ihren Schattenwurf eine weitere Dimension hinzu. (Bis 4. Februar, Raumlabor, Hamburger Straße 247, Öffnungszeiten: Mittwoch – Freitag 15-19 Uhr, Samstag und Sonntag 14-18 Uhr; Eventprogramm (Führungen, Konzerte, Lesungen) unter www.artcore-bs.de)

Ute Helmbold

„Ich freue mich, dass Sie die Lagerstatt hier auf das Feinste plaziert finden!“, begrüßte Günther Langer die Gäste des Kunstvereins Wolfenbüttel zur Eröffnung der Ausstellung „Hommeland“ von Thomas Rentmeister. Die Lagerstatt – das ist eine überdimensionale Konstruktion aus rostigem Stahl, Hochbett ebenso wie beängstigend raumgreifende Skulptur, die auch wie eine Hommage an den russischen Konstruktivismus anmutet. Diagonal und sperrig hält sie den Raum besetzt, scheint ihn fast zu sprengen; aggressiv recken sich die Balken in alle Richtungen. Ihre Alter suggerierende Patina kontrastiert heftig mit dem Weiß der fabrikneuen Matratzen. Fünf Liegeplätze übereinander gibt es, jedoch so dicht und eng, dass niemand dort wirklich schlafen könnte – ein irritierender Widerspruch zwischen Gastfreundschaft und Feindseligkeit. Weitere Exponate unter anderem: eine orangefarbene Kindermatratze auf dem Boden, ein gusseisernes Objekt, ebenfalls mit samtigem Rost überzogen und neben einem schwarzen Holzquader in einen verwitterten Holzverschlag eingelassen, sowie ein Schwarzweißfoto des Interieurs einer norwegischen Hütte. Alles sehr ästhetisch in Formen, Farbigkeit und der Kombination der Materialien. Der präzise Umgang mit Volumen im Raum und die sensible Behandlung von Oberflächen kennzeichnen das Werk des Professors für Skulptur an der HBK Braunschweig.

Und der Titel der Ausstellung? „Hommeland“ erinnert natürlich sofort an „Homeland“, „Heimat“, und an die gleichnamige amerikanische Fernsehserie um Nicholas Brody, den Heimkehrer aus dem Irakkrieg und seine mögliche Verstrickung in den Terrorismus. Doch auch „Pommerland ist abgebrannt“ lässt sich dazu assoziieren sowie „homme“, das französische Wort für „Mensch“. Annette Tietenberg, Professorin für Kunstwissenschaft und Vizepräsidentin an der HBK, fiel dazu gar „Lummerland“ eine, jene kleine Insel, von der Michael Ende seine Helden Lukas und Jim Knopf zu abenteuerlichen Reisen und Verwicklungen aufbrechen ließ. Doch solche liebe Rentmeister ganz und gar nicht, seine Arbeiten stehen für Klarheit und Präsenz, die aus der Anwesenheit von Materialien resultiere, für das, was der amerikanische Künstler Frank Stella einmal mit „What you see is what you see“ bezeichnet hat. Tietenberg schlug in ihrer Rede einen weiten Bogen vom Begriff „Heimat“ des Philosophen Ernst Bloch bis zur Ästhetik der klassischen Minimal-Art, um schließlich bei Behaustsein und Unbehaustsein des Menschen anzukommen – dem zentralen Thema von Rentmeisters Werk. Die Fremdheit, die Einzug ins Leben hält, sei dabei nicht an tagespolitische Ereignisse gebunden, sondern conditio humana, eine Grundbedingung des Wesens Mensch. Dass trifft den Kern der Sache. (Bis 4. Dezember, Kunstverein Wolfenbüttel, Reichsstr. 4, Öffnungszeiten: Mi-Fr 16-18 Uhr, Sa und So 11-13 Uhr. Gespräch mit dem Künstler am Dienstag, 15. November 2016, 19:00 Uhr)