E. A. Dieter (2. Preis), L. Schnäbele (3. Preis), L. H. M. Guzmán (1. Preis)

Bruni springt. In einem kühnen Bocksprung setzt die schlanke Gestalt mit den langen Armen und Beinen und einem hohen Zylinder auf dem Kopf über die (Erd?)Kugel hinweg. Die hat sie mit ihren großen Händen fest im Griff. Bruni, geschaffen vom Bildhauer Ewald Wegner, ist Figur gewordener Ansporn für Künstlerinnen, der erste Frauenförderpreis des Alternativen Kunstvereins bs.kunst, der am Sonntag im Foyer Centro erstmals verliehen wurde. Ziel der Preisvergabe ist es, Frauenkunst mit ihren gesellschaftlichen Interessen im öffentlichen Raum sichtbar zu machen. Unter und hinter sich lässt Bruni auch Ansichten wie diese: „So viel indessen ist wahr, dass es allemal besser ist, mutig drauflos zu gehen als bedächtig, denn das Glück ist ein Weib, und wer dasselbe unter sich bringen will, muss es schlagen und stoßen.“ Dieses Zitat des Staatsphilosophen, Politikers und Schriftsteller Niccolo Machiavelli (1469 – 1527) brachte Astrid Brandt, die erste Vorsitzende des Vereins, zu Anfang ihrer Rede, die sie gemeinsam mit Nina Grigoriev auf die acht Bewerberinnen um den Preis hielt. Machiavelli präge die Einstellung des Mannes zur Frau bis heute, wenn auch der Machtkampf inzwischen subtiler geworden sei. „Wo stehen wir Frauen jetzt?“ lautete die Fragestellung des Wettbewerb, Unterthema: „Und trotzdem – Kunst“. Eine Jury beurteilte die eingereichten Arbeiten, die alle im Foyer Centro ausgestellt sind, nach drei Kriterien: Wurde die Frage beantwortet? Ist die Bildaussage verständlich? Hat die Arbeit künstlerische Qualität? Den 3. Preis, ein vor Ort angefertigtes Portrait, eine Schnellzeichnung von Ferdinand Georg, gewann Lexi Schnäbele für eine Fotoserie, die sich mit modernen Konstruktionen von Geschlechterrollen befasst.

Arbeit von E. A. Dieter (2. Preis)

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„Flyt“ (Ausschnitt)

Gebirge, Meer, Himmel, Bäume und Pflanzen – eigentlich ist alles da auf dem riesigen Gemälde „Flyt“ von Anja Warzecha, das mit seinen 2,20 x 5,40 Metern einen Raum des Kunstvereins Wolfenbüttel diagonal durchmisst und ausfüllt. Und doch zögert man fast, das Bild eine Landschaft zu nennen. Die pyramidalen Berge wirken wie am Reißbrett konstruiert und dann teilweise mit Planen verhängt. Das Meer besteht aus gegeneinander versetzten Flächen in einem Azurblau, das nach oben ins Weiße ausläuft. An den Zweigen der Pflanzen reiht sich säuberlich eine Nadel an die andere, große Blätter und Palmwedel erscheinen wie aus Pappe gefaltet und angemalt. Dazwischen ragen Röhren und Stangen steif und kerzengerade in die Höhe. Sehr künstlich mutet das alles an, mit den Farben Grau, Braun, Grün, Blau auch ein bisschen kubistisch, irgendwie unwirklich und wie aus düsteren Traumbildern zusammengeschnitten. Und genau das macht die Sache spannend.

„Stratorama“

Mit der Einzelausstellung „Color Scapes“ von Anja Warzecha (geb. 1989 in Bochum) präsentiert der Kunstverein Wolfenbüttel eine junge Malerin, die den sie umgebenden Raum in seine einzelnen landschaftliche und architektonische Elemente zergliedert und diese dann collageartig wieder zusammenfügt. Das neue Bild weist dann Brüche und Sprünge auf, wie ein Film, dessen Kontinuität die Cutterin durch das Verbinden unpassender Sequenzen unterbrochen hat. Diese Assoziation ruft jedenfalls „Flyt“ (2017) herbei,

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Foto: Irene Heimsch

Donnerstag Abend, Ausstellungseröffnung in der „Galerie auf Zeit“. Es ist sommerlich warm, die Türen stehen offen, Drinnen und Draußen gehen ineinander über. Man plaudert, trinkt, flaniert, betrachtet die Exponate. Mitte im Raum sitzen mehrere Gäste um einen Tisch und – sticken. Stich für Stich schreiben ihre Nadeln mit roten Fäden Namen und Botschaften in die weiße Tischdecke hinein. Dazu eingeladen hat die deutsch-brasilianische Künstlerin Angela Camara Correa aus Braunschweig. Zusammen mit deutsch-türkischen Malerin Jale Vural-Schmidt aus Schwäbisch Hall bestreitet sie die aktuelle Ausstellung, kuratiert von Mira Lenk. Camara Correa (geboren 1962) liebt es, mit Menschen zu arbeiten. Schon als Dozentin an der HBK Braunschweig (2008 bis 2013) sowie an der Universität São João del Rei in Brasilien (2011) initiierte sie partizipatorische Kunstprojekte. So war es nur folgerichtig, dass sie irgendwann Menschen auch in ihre eigenen textilen Arbeiten einbezog: Der rote Faden, mit dem ein weißes Stück Stoff gemeinschaftlich bestickt wurde, wurde zum Sinnbild der Verbindung von einem zum anderen, ganz im Sinne von brasilianischen „Plauderdecken“, in denen sich Rituale und Geschichten miteinander verweben. Nun präsentiert Camara Correa eine neue Wandarbeit, in der sie den roten Faden so mit einem Stück weißer Gaze verknüpft hat, dass er nicht lose herabhängt, sondern sich mit dem Stoff zu biegen und zu wölben scheint – die Gattungen Zeichnung und Plastik gehen eine zauberhafte Verbindung ein und werfen einen filigranen Schatten an die Wand. Eine andere Arbeit besteht aus einem weißen Kleidchen und einfachen, aus Zweigen gebildeten Hausformen, die wie ein Mobilé von der Decke herabhängen. Dazu präsentiert die Künstlerin, die am Tupana Fluss in Amazonien eine Frauengruppe zu Erhaltung und Verbreitung traditionellen Wissens gegründet hat und von der gewaltigen Natur des Regenwaldes inspiriert ist, Zeichnungen von Pflanzenformen.

Foto: Irene Heimsch

Auch Jale Vural-Schmidt (geboren 1952) ist eine Wanderin und Mittlerin zwischen zwei Welten, zwei Kulturen. Sie studierte Kunst in Izmir, Salzburg, Nürnberg und Budapest und liebt es, mit Materialien und Oberflächen zu experimentieren, verarbeitet z.B. Zement in ihren Bildern. Ihre von der Natur angeregten und abstrahierten Werke, die zwischen Malerei, Zeichnung und Plastik changieren, sind ebenso sensibel und poetisch wie die Objekte Camara Correas. Ihre Zeichnungen – Tusche auf Transparentpapier – hat Vural-Schmidt zu mehreren übereinander vor die Fenster gehängt, so dass sich ein zartes Durchscheinen der Schichten im Licht ergibt. Zementziegel, die dem Einfluss der Witterung ausgesetzt waren, bilden mit ihren farbigen Oberflächen ein feines, malerisches Relief. Schließlich die großen Schwarzweiß-Zeichnungen der „Säulenmenschen“: Sie schreiben die Figuren in ein schmales, hohes Rechteck ein, ohne sie in ihrer Freiheit zu beschneiden. (Bis 24. 5., „Galerie auf Zeit“ im Lokal „Lissabon“, Breite Str. 25-27, Öffnungszeiten: Dienstag bis Freitag 10-22 Uhr, Samstag 17-22 Uhr)

„Irgendwann entdeckte ich Melanie Tilkov auf Facebook und dachte: Wow, was für eine tolle Malerin, die möchte ich mal bei mir zeigen!“ Thorsten Stelzner rief die in Monheim bei Köln lebende Künstlerin an und – bekam nicht nur eine Zusage, sondern auch noch eine Ausstellung just zum vierjährigen Jubiläum seiner Galerie „Vita-Mine“. Und das Allerbeste: Tilkov reiste nicht nur mit einem Sprinter voller Bilder an, sondern hatte für ihre Ausstellung auch noch den Titel „Weitermachen!“ im Gepäck. Diese Ermutigung passt sowohl für sie selbst und ihre Retrospektive 2009-2019 als auch für Stelzner, der mit dieser Schau in die nächste „Legislaturperiode“ seiner Kunst-, Musik-, und Lesebühne startet.

Mädchen und Frauen sind Tilkovs Thema, angefangen bei einer Vierjährigen im roten Röckchen an der Hand der Mutter über Teenager bis zu einem Selbstportrait: ihr Spiegelbild abends nach dem Duschen, müde und abgespannt, mit Gesichtsmaske und einem Handtuch um das nasse Haar. Dieses Spiegelbild erschien ihr plötzlich seltsam und fremd und wurde so zum Einstieg in eine sehr persönlich malerische Reflexion über das Thema des Alterns, der Vergänglichkeit, der Desillusionierung, ganz im Sinne des Spruchs „Das kannst Du Dir abschminken“. Oft sind es Situationen des Müdeseins, des Entspannens, des Ausruhens, in denen die Malerin ihre Modelle erfasst: im Bademantel mit einem Handtuch-Turban auf dem Kopf, auf oder im Bett liegend. Dabei werden ein weißer Frottéestoff, ein weißes Bettzeug, eine gestreifte Decke in vielfältigen Nuancen zwischen Grau, Grün und Weiß zur farbigen Sensation. weiter…

Ingo Lehnhof

„Portrait – noch zeitgemäß?“ Dieser Frage war am 1. April ein kulinarischer Kunstabend im Studio Hoppe gewidmet, mit dem die Bildhauerin Sabine Hoppe ihr neues Veranstaltungsformat „Sprechzeit“ gestartet hat: Nach einer knappen kunsthistorischen Einführung von mir in das Thema, mit Bildbeispielen von Jan van Eyck bis Marlene Dumas, wurde zunächst eine köstliche Möhren-Ingwer-Suppe von Daisy Oestmann serviert. Nach dieser Stärkung ging’s weiter in Sachen Kunst, und zwar mit einem moderierten Künstlergespräch:

Ulrike Schröter

Der Maler Ingo Lehnhof, die Zeichnerin Ulrike Schröter und die Bildhauerin Sabine Hoppe diskutierten Fragen wie: Warum mache ich überhaupt (noch) Portraits? Wie gehe ich dabei vor? Gibt es einen Unterschied zwischen einem Auftrag und einem Portrait aus eigener Motivation? Welche Rolle spielt die äußere Ähnlichkeit und wer sagt, wann diese erreicht ist? Gibt es noch etwas dahinter wie einen „inneren Kern“, „Persönlichkeit“, „Wesen“ oder gar „Seele“? Und wenn ja, kann man es erfassen und darstellen? Was die drei sehr unterschiedlichen KünstlerInnen von ihren Erfahrungen berichteten, welche Auffassungen sie hatten, wo und wie sie sich auch widersprachen – das zu verfolgen, war höchst spannend und animierte auch das Publikum dazu, sich ins Gespräch einzuschalten.

Zur Veranstaltung haben die drei KünstlerInnen eine umfangreiche, sehr sehenswerte Ausstellung ihrer Arbeiten gehängt, die noch bis zum 13. April besichtigt werden kann. Ein Großteil der Arbeiten ist verkäuflich. (Studio Hoppe, Hamburger Strasse 273 B, Schimmelhof Eingang B7, Öffnungszeiten: Di 15.00 bis 20.00 Uhr, Do 13.00 bis 17.00 Uhr, Sa 13.00 bis 16.00 Uhr.)

Die nächste „Sprechzeit“ findet im Juni statt, dieses Mal zum Thema Landschaft.

Sabine Hoppe

Auszug aus meiner Rede zur Eröffnung:

Elke Lennartz nimmt ihren Ausgangspunkt immer vom Material und ist darin ganz und gar zeitgenössisch-modern. Das beliebig Formbare, das den Künstlern zur Zeit der In­dustrialisierung als „charakterlos-neutral“ und „anorganisch-strukturlos“ (Monika Wagner) galt, ist für sie eine Quelle der Inspiration: „Der Kunststoff reizt mich, weil er sehr vielfältig ist und ich alles daraus machen, ihn immer wieder verändern kann.“ Sie arbeitet mit Kunststoffstanzresten aus der Industrie, Gitter, die sie erhitzt und verformt bis die endgültige Gestalt gefunden ist. Dann wird das Gitter mit dünner Gaze umspannt, die Gaze mit vielen Leimschichten gehärtet, so dass gebogene Flächen entste­hen, die schließlich ein- oder zweifarbig bemalt werden. Dabei interessieren Elke Lennartz formale Fragen von konvexen und konkaven Wölbungen, von Fläche kontra Linie, von rund und eckig, von fließenden Bewegungen, von Vor- und Rücksprüngen, des Umschließens von Raum oder von Ausgriffen in den Raum hinein, des Stehens und Aufragens, des Liegens oder Herabhängens. Jede Arbeit zeichnet sich durch eine Offenheit aus, die Lebendigkeit ausstrahlt und die Plastiken atmen lässt. Eine andere schöne Eigenschaft ist ihre Leichtigkeit und Schwerelosigkeit.

Jede Plastik ist eine Individualität für sich, mit einem die Phantasie anregenden Namen, oft aus der griechischen Mythologie. Die dunkelrote hier, eine Raum umschließende Nische mit kecker Spitze, knickt in der „Hüfte“ tänzerisch ein und heißt wohl deswegen „Torso“. Die grüne mit dem Gitter oben ist „Nabucco“. Die kapriziöse türkisblaue, die mehr vor ihrem Sockel schwebt als auf ihm ruht, ist eine „Sylphe“; Sylphen sind Naturgeis­ter, sie sind dem Element Luft zugeordnet und ein Beispiel für die Spiritualisierung von Ma­terie. Die da in Yves Klein-Ultramarin erstrahlt, ist „Nike“, die Siegesgöttin. Es gibt auch „Eris“, die Göttin der Zwietracht, „Megaira“, eine Rachegöttin, „Nyx“, die Nacht und „Hyp­nos“, der Schlaf. Die Folge von drei tiefschwarzen Wandplastiken sind die „Traumdämo­nen“, mit denen sich die Künstlerin von ihren Albträumen befreien wollte. Die hängende Arbeit im Raum nebenan heißt „Lethe“ nach einem der Flüsse im Hades, der Unterwelt. Aus diesem Fluss des Vergessens mussten die Seelen trinken, damit sie sich nicht mehr an ihr vergangenes Leben erinnerten, um wiedergeboren zu werden. Wie es in der „Aen­eis“ von Vergil heißt: „Die Seelen nun, denen das Fatum andere Leiber bestimmt, / schöp­fen aus Lethes Welle heiteres Nass, so trinken sie langes Vergessen.“ Die einzelnen, sanft schaukelnden Elemente dieser Arbeit, aus schmalen Bändern raumgreifend geformt, sym­bolisieren die Wellen des Flusses und zugleich das Aufblitzen, Vorübergleiten und Ent­schwinden der Gedanken. So eröffnen die Namen über das rein Formale der Figuren noch eine andere, eine „meta“-Ebene voller Poesie und Bedeutung.

Von Oldenburg nach Emden, Öl und Tusche auf Leinwand, 2005

Im graublauen „Nebelmeer“ schwimmen „Inseln“, weißlich und ockerfarben, sie scheinen sich in einem wässrigen Element zu spiegeln. Unter dem oberen Bildrand deutet eine Waagerechte einen Horizont an, über dem bräunliche und graue „Wolken“ in den „Himmel“ aufsteigen. Diagonal durchziehen Linien und ein „Weg“ aus dunklen „Steinen“ die flache „Ebene“ und erzeugen den Eindruck von Perspektive und Raumtiefe. Man neigt dazu, die einzelnen Elemente dieses mit Öl und Tusche auf Leinwand gemalten Bildes gegenständlich zu deuten, zumal, wenn man den Titel erfährt: „Von Oldenburg nach Emden“. Linien und partiell ineinander verschwimmende Farbflächen und -flecken liest man als Landschaft, obwohl es sich um ein abstraktes Gemälde handelt. Auch auf Bildern wie „Familie“, „Leithammel“ oder „Die Erfindung der Tiere“ halten sich Abstraktion und Gegenständlichkeit die Waage, bleiben in der Schwebe auf eine poetische Art, die Raum für Phantasie und Offenheit lässt.

Landschaft, Aquarell, 2014

Kleiner Schlaf (Köpfchen), Ton, gebrannt und gefärbt, 2015

Geschaffen hat sie die Künstlerin Ina Ockel. Sie zeigt nun im Torhaus des Botanischen Gartens ihre Ausstellung „Neuschnee“, einen Querschnitt durch ihr Werk der letzten 15 Jahre, und das umfasst ein breites Spektrum: Nicht nur Malerei, sondern auch Zeichnungen und Aquarelle sowie Plastiken in Ton und Holz – Köpfe, Figuren, Tiere. Und so unterschiedlich diese Arbeiten erst einmal auch sind: gemeinsam ist ihnen allen eine große Feinfühligkeit sowohl in der Auffassung des Gegenstandes als auch im Umgang mit dem Material. Die Arbeiten in Ton bewahren manchmal an der Oberfläche die Spur der modellierenden Hand, so dass sie impressionistisch bewegt erscheint wie bei „Kleiner Schlaf (Köpfchen)“ von 2015. Bei anderen Köpfen wiederum ist die Oberfläche ganz geglättet, entsprechend den auf ein gegenständliches Minimum reduzierten Formen. Auch die Holzplastiken gehen in Form und Oberfläche sehr sensibel auf das gegebene Material ein – mal rauh und zerklüftet, mal glatt und poliert wie der weibliche Torso mit erhobenen Armen (2015).

Weiblicher Torso, 2015

Bezaubernd in ihrer Leichtigkeit sind die virtuosen Zeichnungen und Aquarelle, seien es Blumen, Landschaften oder Akte, die sich aus Flecken in verschiedenen Nuancen einer Farbe zusammenfügen. Das Triptychon „Bewegung“ (Tusche und Aquarell, 2000) vereint plastische und malerische Auffassung der Figuren. Jedes Kunstwerk in dieser Ausstellung ist ein Individuum für sich, und es ist eine große Freude, sie alle zu entdecken. (Bis 27. März, Öffnungszeiten: Di-Fr 15-18 Uhr, Sa/So 11-18 Uhr.)

Triptychon „Bewegung“ (Mittelteil), Tusche und Aquarell, 2000

Es lässt sich beschreiben, bezeichnen, bedrucken, falten, schneiden und knüllen. Es hüllt ein, wischt weg, polstert aus, kann zart oder hart sein, zu Kleidung oder Mobiliar werden. Und nun macht es auch noch Musik: Papier. Im Allgemeinen Konsumverein, der dieses Jahr sein 20. Jubiläum feiert, hat der international renommierte Komponist und Multi-Instrumentalist Pierre Bastien, geboren in Paris und heute in Rotterdam lebend, sein Papierorchester aufgebaut.

Mehrere Tamburine fungieren als Instrumente und gleichzeitig als Leuchtkörper, im abgedunkelten Ausstellungsraum erstrahlen sie in warmem Orange; Papierstreifen mit einem kleinen Metallstück zappeln auf den Membranen und erzeugen schnarrende Trommeltöne. Dann springen, eins nach dem anderen, Geräte an, die, von einer Lampe erhellt, ein weißes DIN A 4-Blatt geräuschvoll aufflattern lassen. Hier trompetet ein Ensemble von Tröten, dort schlackert eine lange Papierbahn und wirft ihren Schatten als Wellenlinie an die Wand, da raschelt, rattert, knattert es mal laut, mal leise… Mit der Zeit schälen sich rhythmisch wiederkehrende Abläufe dieser poetischen Maschinerie heraus, die Augen und Ohren gleichermaßen verzaubert.

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Dirk Geffers

Hier ein Auszug aus meiner Rede zur Eröffnung:

Auf den Hund kommen ja viele Menschen, auf den Hasen aber nur sehr wenige. Zu den Auserwählten zählen Denis Stuart Rose und Helga Licht-Rose, die hier in der Galerie Geyso20 das Jahr des – nein, nicht des Hasen, das werden wir erst wieder 2023 haben – sondern das Jahr der Hasen ausgerufen haben, und zwar sehr, sehr vieler Hasen. (…)

Reinhard Dittrich

Bei Denis Stuart Rose kommt der Hase vor allem als ganz besondere Species vor, näm­lich als der, den die Firma Duracell, seit 1920 Hersteller von Batterien und Akkus, unter Strom setzte und zu ihrem Maskottchen erkor. Auf der Homepage der Firma heißt es: „1973 wird der Duracellhase geboren. Die Werbeagentur Dancer, Fitzgerald and Sample aus New York kreiert die unvergessliche ‚Drumming Bunny‘ TV-Werbung. Seitdem verkör­pert der Duracell Hase die überlegene Langlebigkeit der Duracell Batterie im Vergleich zu herkömmlichen Zink-Kohle-Batterien. Im Verlauf der Jahre entwickelt sich der Hase von einem einfachen Spielzeug zu einer spielerischen und geliebten Ikone der Marke, die die Marke Duracell mit Wärme und Persönlichkeit verbindet.“ Die Spots zeigen, wie den Hasen der Konkurrenz der Reihe nach die Puste ausgeht, während der Duracellhase un­ermüdlich weitertrommelt. Das Maskottchen erschien ferner als Fußballer, Boxer, Mara­thonläufer, Skifahrer, aber auch als Feuerwehrmann und Astronaut, als knipsender Tourist, als chinesischer Trommler und zu seinem 30. Geburtstag mit einer Torte.

Verwunderlich fanden Roses indessen: Der Duracell-Hase beherrschte anscheinend die ungeschlechtliche Vermehrung, denn alle Exemplare waren samt und sonders Rammler ohne eine einzige Häsin. Diese Erkenntnis ließ das Paar vom Sammler zum Produzenten werden. Die erste Duracella erblickte das Licht der Welt, dann gab es kein Halten mehr: nach Persönlichkeiten wie Marilyn Monroe, den Blues Brothers, einem genialischen Mozart und zwei Herren mit Oberlippenbärtchen – der eine Charlie Chaplin – wurden wei­tere Defizite in Angriff genommen: Damen und Herren des Rotlichtmilieus, Rollstuhlfahrer, Blinde, Weihnachtsmänner und weitere sträflich vernachlässigte Randgruppen hielten Ein­zug in das Hasen-Universum, denn Gerechtigkeit muss sein!

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Foto: Claus Cordes, HAUM

Der 6. April 1900 muss in und um Braunschweig herum ein kühler Vorfrühlingstag gewesen sein. Im Naturschutzgebiet Riddagshausen liegt ein graublauer Himmel über einem der ebenfalls graublauen Teiche, dessen Ufer bräunliches Schilf säumt, man hört förmlich den Wind darin rascheln. Im Hintergrund ansteigende Felder, am Horizont erstreckt sich ein dunkelbrauner, noch kahler Wald. Am Himmel plastische weiße Wolken, eine dunkle Wolke spiegelt sich im Wasser. Es scheint kalt, vielleicht sogar etwas stürmisch zu sein – richtiges Aprilwetter eben.

So ähnlich jedenfalls muss es vor 119 Jahren Max Beckmann erlebt haben, denn so zeigt es sein Gemälde „Landschaft mit See“, das der 16jährige 1900, vielleicht direkt vor der Natur in Riddagshausen, anfertigte. Das Herzog Anton Ulrich-Museum (HAUM) konnte die nur 19,5 x 28,5 cm große Ölskizze im Dezember 2018 auf der 285. Auktion bei Karl & Faber in München mit Unterstützung der Braunschweiger Günter Kalkhoff-Stiftung für 43.000 Euro ersteigern – eine kleine Sensation! Das Bild stammt aus dem Nachlass von Barbara Göpel, der Ehefrau und kunsthistorischen Mitarbeiterin Erhard Göpels. Die untadelige Provenienz lässt sich über eine Nichte Beckmanns bis zu deren Mutter, seiner Schwester Margarethe, zurückverfolgen. Der Kunsthistoriker Erhard Göpel (1906-1966) war während der Zeit des Nationalsozialismus am Kunstraub in den von den Deutschen besetzten Gebieten beteiligt, zugleich aber auch Freund und Bewunderer des als „entartet“ diffamierten Künstlers, dem er insbesondere während seines Amsterdamer Exils im Zweiten Weltkrieg helfend zur Seite stand. Nach 1945 hat er sich, gemeinsam mit Ehefrau Barbara, um das Werk Beckmann verdient gemacht, unter anderem mit einem 1976 erschienenen Werkverzeichnis, das die signierte und auf den 6.4.1900 datierte „Landschaft mit See“ als Nummer 2 aufführt.

1900 – das war Beckmann vor Beckmann. Der 1884 in Leipzig geborene Max lebt zu dieser Zeit mit seiner Mutter in Braunschweig; hier war sein Vater 1895, nur wenige Monate nach dem Umzug, gestorben – für den Zehnjährigen mit Sicherheit ein Trauma. Man wohnte gutbürgerlich, im Sandweg Nr. 1, heute Magnitorwall, gegenüber dem Herzoglichen Museum (heute HAUM). weiter…