Aus der Serie „Zustand der Veränderung“, Fotografie auf Aludibond

„Zustand der Veränderung“ – ist das nicht ein Widerspruch in sich? Ist nicht ein Zustand etwas Feststehendes, die Veränderung dagegen – nun ja, Veränderung eben, Bewegung? Doch die Kunst lebt ja von Paradoxien, Ambivalenzen, vom Zusammenfallen der Extreme, die eigentlich gar nicht zusammen passen. Und für die Ausstellung von Karen Irmer im Kunstverein WOlfewnbütteel ist „Zustand der Veränderung“ ein wunderbarer, sehr treffender Titel. Denn die Künstlerin zeigt uns mit ihren Arbeiten, dass es den totalen Stillstand gar nicht gibt, dass ihm vielmehr ein sanftes Fließen innewohnt, eine Veränderung in kaum wahrnehmbaren, winzigen Schritten. Die Erforschung zeitlicher und räumlicher Aspekte unserer Wahrnehmung ist ihr Grundinteresse. Dafür nutzt sie ausgerechnet jene Medien, die uns heute via Internet pausenlos mit neuen visuellen Eindrücken bombardieren und mit ihrem Entertainment dafür sorgen, dass keine Langeweile aufkommt: Fotografie und Film. Irmers Schwarzweißaufnahmen zeigen Ausschnitte von Wald, Wasser, Bergen, Himmel und Wolken. Die Landschaften sind dabei nicht klar zu lokalisieren, das ist aber auch ganz unwichtig. Formal betrachtet, sind sie ein reiches Gewebe von Grau- oder Blautönen, aus denen bei langem, meditativen Hinsehen Motivisches wie Bäume oder Nebelschwaden auftaucht. Selbst in (nur scheinbar) monochromen schwarzen Arbeiten erkennt man mit der Zeit feinste Unterschiede. Dieses Entdecken ist eine große Freude, und die geheimnisvollen, traumhaften Bilder schenken dem Betrachter Ruhe und Entschleunigung. Eine Arbeit, eine 360 Grad-Videoinstallation, die man mit einer VR-Brille erlebt, heißt „Koan“, wie die Rätselfrage eines Zenmeisters, die mit logischem Denken nicht zu lösen ist, sondern nur durch intuitives Eintauchen in die Weisheit der Frage; so kann sie dem Schüler wahre Erkenntnis bescheren.

Stable Square, Videoloop

Faszinierend ist das Video eines gleichförmig dahinfließenden Flusses, auf dem weiße Schaumkrönchen tanzen – Inbegriff der vergehenden Zeit, die sich doch ständig erneuert. Ferner vier Arbeiten aus der Serie „Zustand der Veränderung“. Hier hat die Künstlerin zwei verschiedene Fotografien entlang einer kaum wahrnehmbaren horizontalen Linie zusammengefügt. Da scheint sich der helle, weite Himmel unterhalb einer Verdichtung von grauen Landschaftsformationen in Wasser zu spiegeln, was an einen Satz von Paul Celan denken lässt: „Wer auf dem Kopf geht, der hat den Himmel als Abgrund unter sich.“

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„Never enough“: Die riesigen Versalien des Schriftzuges – Schrifttype „Helvetica condensed“ in Grün und Schwarz – scheinen das altehrwürdige Fachwerk des Mönchehausmuseums in Goslar förmlich auseinanderzusprengen. „Nie genug“ – das ist das Motto gieriger Banker, die mit Cum-Ex-Geschäften den Staat um Milliarden betrügen oder jener Großkonzerne, die für Soja- und Palmölplantagen den Regenwald abholzen. Gestern prangte die Wortfolge über dem Tag, an dem in Deutschland in über 575 Orten hunderttausende Menschen für den Erhalt des Klimas demonstrierten. Die Amerikanerin Barbara Kruger, die heute für ihr Lebenswerk mit dem Goslarer Kaiserring ausgezeichnet wird, dürfte sich über dieses Zusammentreffen sehr gefreut haben. Die politisch engagierte Künstlerin hat das Schriftbild eigens für ihre Ausstellung im Mönchehausmuseum geschaffen. „Ich will, dass meine Arbeiten einen visuellen Beitrag zu den Diskussionen liefern, die bestimmen, wie wir leben“, sagt die 74jährige, die seit über 40 Jahren untersucht, welche Machtstrukturen unsere Gesellschaft durchdringen, und das provokant, konsumkritisch und feministisch.

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In fahlem Grün leuchtet es in der Dämmerung, die Sektoren flackern um die schwarze „Pupille“, bis sie schließlich die ganze „Iris“ ausfüllen. Nun sind die Stimmen, die Musik klar und deutlich, ohne störende Nebengeräusche, zu vernehmen. Wer in den 1950er Jahren oder früher geboren wurde, kennt es noch: Das „Magische Auge“, später auch das „Magische Band“, zeigte an, wie genau das Gerät auf die Sendefrequenz des gewünschten Senders eingestellt ist, und zwar beim guten, alten Röhrenradio, das etwa ab 1960 mehr und mehr vom Transistorradio abgelöst wurde. Nun feiert die Anzeige eine Auferstehung als Kunstwerk, wieder zum Leben erweckt vom Klangkünstler Erwin Stache. Er hat im Allgemeinen Konsumverein seine „Magische Wand“ (2018) installiert, eine Reihe von schlummernden Anzeigeröhren, die aufwachen, sobald sich ein Betrachter nähert, und die vielfältigsten Klänge hören lassen: Knattern, Rauschen, ein Keckern wie von Vogelstimmen, ein Zischen wie von Flammen, Glocken und Gongs, Schiffstuten, sphärische Weltraumklänge und da – sauste da nicht gerade ein Ufo vorüber? Gebannt lauscht man in dieses geheimnisvolle, manchmal auch unheimliche All von Tönen und Geräuschen hinein, lässt sich davon bezaubern und beginnt zu träumen… Und: Man kann durch Hin-und Hergehen vor der Wand beeinflussen, wann welche Röhre wie lange erklingt, und somit ein eigenes Arrangement schaffen.

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Götz van Ooyen, Antje Siefert, Sybille Hempel-Abromeit

„Und wer Freude findet an der Lieder Schallen, lässt das Gold, das schnöde in die Hölle fallen!“ Auch Antonin Dvořaks Lied „In dem weiten, breiten, luft’gen Leinenkleide“, aus dem dieser Vers stammt, erklang am Sonntag auf einer festlichen Matinée mit Liedern und Texten im Herzog Anton Ulrich-Museum, zur Finissage der prächtigen Ausstellung „Dressed for Success“. Deren Dreh- und Angelpunkt war das einzigartige Kleidungsbuch des Augsburger Bürgers Matthäus Schwarz (1497-1574), der sich über 40 Jahre seines Lebens immer wieder in seinen extravaganten modischen Gewändern portraitieren ließ. Das schnöde Gold hätte er allerdings wohl kaum in die Hölle fallen lassen, denn er brauchte es, um seinen aufwendigen Lebensstil zu finanzieren. Und als Hauptbuchhalter beim damals reichsten Geschäftsmann Europas, Jakob Fugger, verdiente er sehr gut. Doch an der Matinée mit „musikalischen Illustrationen zum klaidungsbuechlin“ hätte wohl auch Schwarz seine Freude gehabt, war er doch nicht nur gesellschaftlich ambitioniert und modebegeistert, sondern auch musikalisch, spielte sogar selbst die Laute.

Kaum zu glauben, welche Vielfalt an Liedern die Musikerinnen Antje Siefert (Mezzosopran) und Sybille Hempel-Abromeit (Klavier) mit Unterstützung der Ausstellungskuratorin Martina Minning zum Thema gefunden hatten und zu Gehör brachten! In mehreren Abschnitten zu Themen wie „Jugend, Aufbruch“, „Orte, Landschaften“, „Farben“, „Kleider, Stoffe, Hüte“ sowie „Jagen, Musizieren, Feiern“ trugen sie Lieder von Mozart und Schubert, Schumann, Brahms über Debussy und Poulenc bis zu Eisler und Weill vor. Da war „Innsbruck, ich muss dich lassen“ von Heinrich Isaac zu hören (Text Kaiser Maximilian I. zugeschrieben), Mozarts „Die betrogne Welt“ und Schuberts „Mit dem grünen Lautenbande“. In mancherlei Varianten wurde die Liebe besungen, ebenso die Stadt Venedig, Panflöte und Quellnymphen, ein Fleck auf einem teuren Tuch, damastene Rosen und ein Herz, geformt wie eine Erdbeere. Und was bekam des Soldaten Weib (Brecht/Weill)? Topmodisches aus allen besetzten europäischen Hauptstädten, doch aus dem weiten Russenland den Witwenschleier. Zu jedem Themenblock las außerdem der Schauspieler Götz van Ooyen passende Textminiaturen, von Matthäus Schwarz selbst, aus dem Ausstellungskatalog und anderen Quellen. Eine maßgeschneiderte musikalisch-literarische Veranstaltung, ebenso fein komponiert wie die Ausstellung, die mit ihr verabschiedet wurde.

„Alles, was ich erkenne, erkenne ich nur, weil ich liebe“, hat Leo Tolstoi einmal gesagt. Sybille Lewitscharoff liebt Dantes „Göttliche Komödie“. Von ihren Erkenntnissen sprach die Schriftstellerin am Dienstag Abend in der TU Braunschweig, auf Einladung des Instituts für Germanistik, Abteilung Neuere deutsche Literatur. Da war kein theoretisch-professoraler Vortrag zu hören, sondern das Plädoyer einer Künstlerin, die mit Temperament und Leidenschaft das Publikum für den großen Dichter entflammte.

Ein harter, unbeugsamer Mensch sei Dante gewesen, nicht geschaffen dafür, „seine adligen Gönner splendid zu unterhalten“. In einem immensen Kraftakt habe er die berstende Stofffülle der Comedia, kurz nach 1300 im Exil verfasst und das Gründungsdokument der italienischen Hochsprache, in eine strenge Form gebracht: die drei Teile – Inferno, Purgatorio, Paradiso – sowie die Einleitung sind in Terzinen geschrieben und belaufen sich insgesamt auf genau 100 Gesänge á 33 Terzinen. Doch diese „besessene Konstruktionsmaschine“ habe zugleich üppigste Poesie hervorgebacht.

Lewitscharoff verglich zunächst verschiedene deutsche Übersetzungen miteinander, angefangen bei der aus dem 19. Jahrhundert von König Johann von Sachsen (Pseudonym: Philaletes) über Stefan George bis zu der von Kurt Flasch aus dem Jahr 2011. Letztere mag sie gar nicht: „Sterile Prosaübersetzungen hasse ich, die nehmen den Dampf aus der Sache raus – tote Hose!“ Bei Philaletes sei dagegen der poetische Charme und die Musikalität des Originals übergesprungen, und darauf komme es an. Abstriche beim Inhalt müsse man deswegen nicht machen, vielmehr gehe es um Neuerfindungen, auch darum, mal einen etwas anderen Assoziationsraum zu eröffnen.

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Ein Zweig mit langen, schmalen Blättern schwebt unter der Decke der Augusteerhalle, geradewegs in den Bücherhimmel hinein. Stengel und Blätter des Zweigs, ein stark vergrößertes Wolfsmilchgewächs, sind natürlich – wie könnte es anders sein? – aus Papier. Wie auch die Bücher in den umgebenden Regalen, werden die Blätter nach oben immer kleiner. Der Zweig ist das größte und auffallendste Werk der Ausstellung „Folia“ von Odine Lang in der Herzog August Bibliothek in Wolfenbüttel. Die Künstlerin (geb. 1972), die heute in Kohlscheid bei Aachen lebt, hat an der HBK Braunschweig studiert, war dort Lehrbeauftragte und ist unter anderem Dozentin an der Bundesakademie für kulturelle Bildung in Wolfenbüttel.

Der Titel „Folia“ („Blätter“) verweist zum einen auf das Naturstudium, das die Künstlerin von Anfang an betreibt, im Medium der Graphik, aber auch mit Objekten bis hin zu großen raumbezogenen Arbeiten, Installationen und Landart. Zum anderen spielt er auf Papierseiten, die Blätter der Bücher, an, und auf die nimmt Lang hier Bezug: Einige ihrer Arbeiten haben sich zu den historischen Exponaten der Ausstellung „Ausdrucksvoll. Streifzüge durch die Buchgeschichte“ in der Augusteerhalle gesellt. „Gemma“ z.B., ein Objekt aus Eisendraht, Japanpapier, Schellack und Buchbinderzwirn liegt in einer Vitrine neben einem Folianten aus dem 16. Jahrhundert. Die Form von „Gemma“…

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„Makramé“, 2017

Sie verbinde gedankliche Komplexität mit Sinnlichkeit und habe „keine Angst vor Schönheit“, so Bettina Ruhrberg, Direktorin des Mönchehaus Museums in Goslar, über Nevin Aladag. Die 1972 geborene Künstlerin gehört zu den wenigen Frauen, die auf der Documenta 2017 sowohl in Kassel als auch in Athen vertreten waren. Im gleichen Jahr präsentierte sie sich in Venedig auf der Biennale und wurde mit dem Ernst Rietschel-Kunstpreis für Skulptur, Dresden, geehrt. Seitdem „boomt“ die deutsche Künstlerin mit türkischen Wurzeln, die in München bei Olaf Metzel Bildhauerei studierte und heute in Berlin lebt. Eine repräsentative Auswahl ihrer Werke seit 2015 zeigt nun das Mönchehaus Museum in Goslar.

Aus der Serie „Jali“, 2019

Aladags multimediales Werk (Skulptur, Performance, Video) dreht sich um Fragen kultureller und sozialer Identität, um Interaktions- und Transformationsprozesse in einem Alltag, der von unterschiedlichsten sozialen und ethnischen Communities geprägt ist. Mit Musik, Tanz und Spiel erweitert sie dabei den Raum der Skulptur in den öffentlichen Raum und in den Klangraum hinein. Oft nutzt sie die kulturelle oder politische Konnotation von Dingen des alltäglichen Gebrauch, von Materialien und Ornamenten, etwa in den neuesten Keramiken der Serie „Jali“ oder in den „social fabrics“. Letztere sind Patchworks aus verschiedensten Teppichstücken, die unsere diversitäre Gesellschaft widerspiegeln. Aladag nennt sie auch „skulpturale Malerei“ und sagt: „Ich komme von der klassischen Bildhauerei her, mich interessieren Form und Formschönheit. Ich versuche, meine eigenen Formensprache zu finden.“

Aus der Serie „Social Fabrics“, 2018

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Vom November 1792 bis zum Januar 1794, also rund 14 Monate, nahm Ludwig van Beethoven Kompositionsunterricht bei Joseph Haydn. Doch der schätzte seinen selbstbewussten, eigenwilligen Schüler nicht sonderlich, hielt sogar sein Klaviertrio op. 1 Nr. 3 für zu schwer verständlich. Beethoven wiederum soll über seinen Lehrer gesagt haben, er habe „nie etwas von ihm gelernt“. Dennoch hat er Haydn eine Sonate gewidmet.

Das künstlerische Verhältnis zwischen beiden Komponisten war Thema des vorletzten Konzerts des diesjährigen „Soli Deo Gloria Braunschweig Festivals“ am Sonntag Nachmittag im Rittersaal des Gifhorner Schlosses. Das Haydn-Beethoven-Rezital wies bereits auf den Themenschwerpunkt des Festivals 2020 hin, den 250. Geburtstag Beethovens. Bestritten wurde das Konzert von dem jungen Pianisten Saleem Ashkar (geb. 1976 im israelischen Nazareth als Sohn palästinensischer Christen), der 22jährig in der New Yorker Carnegie Hall unter Daniel Barenboim debütierte, seitdem bei bedeutenden Orchestern gastiert und mit berühmten Dirigenten wie Zubin Mehta, Daniel Barenboim, Riccardo Muti, Riccardo Chailly und anderen zusammenarbeitet. Ashkar spielte als erstes Haydns Sonate in D-Dur (Hob.XVI:37) aus dem Jahr 1780, gefolgt von Beethovens Haydn gewidmeter Sonate Nr. 3 in C-Dur (op. 2, Nr. 3). Ihr ist zu entnehmen, dass Beethoven seinem Lehrer sehr wohl einiges zu verdanken hat. Beide Werke spielte Ashkar technisch brillant, sehr kraftvoll und mit großer Präzision. Ein wenig mehr Empfindung hätte seinem Vortrag allerdings gut getan.

Wie Beethovens Sonate Nr. 3 auf Haydn zurückgreift, so weisen dessen Variationen in f-Moll (Hob.XVII:6) auf den genialen Schüler voraus. Dieses wunderbare, 1793 entstandene Werk erklang als erstes nach der Pause. Reclams Klaviermusikführer nennt es eine „freie, expressive Klavierdichtung, die, wie manche Haydnsche Sonatensätze, das Variationsprinzip als Mittel melodischer Intensivierung benutzt.“ An das Thema schließen sich nur zwei Variationen an, bevor das Stück in ein erregtes Finale mündet, das schließlich sanft und leise ausklingt.

Als letztes Stück dieses feinfühlig komponierten Programms folgte Beethovens Sonate Nr. 23 „Appassionata“ (1804/1805). Sie gilt als Glanz- und Endpunkt einer Entwicklung, die auf publikumswirksame pianistische Virtuosität abzielt. Danach schrieb Beethoven fünf Jahre lang keine Klaviersonate mehr. Mit der „Appassionata“, ihren wilden Ausbrüchen, extremen Gegensätzen und dem leidenschaftlichen Auf- und Abwogen überwand der Komponist die traditionelle maßvolle und ausgewogene Sonatenform. Die Proportionen der einzelnen Sätze verschieben sich zugunsten des langen, furiosen Schlusssatzes, in den das lyrische „Andante con moto“ des zweiten Satzes fast unvermittelt übergeht. Ashkar meisterte ihn mit Bravour. Die Zugaben, mit denen er sich für den herzlichen Applaus bedankte (Debussy und Schumanns „Träumerei“), zeigten, dass er auch die zarten Töne beherrscht.

Foto: Sandra Grünberg

„Alles, was Odem hat, soll ohne Feinde, ohne jede Behinderung den Schmerz überwinden und Glückseligkeit erlangen und sich in Freiheit bewegen, ein jeder auf dem Weg, der seine Bestimmung ist.“ So lautet die erste Strophe des „Alten buddhistischen Gebets“ für Chor, Solotenor und Orchester von Lili Boulanger. Die französische Komponistin stand lange im Schatten von Ravel und Debussy, ist heute jedoch als ganz eigene Stimme innerhalb des Impressionismus anerkannt. Das kurze, ergreifende Stück nach buddhistischen Texten aus dem 5. Jahrhundert n. Chr. handelt von Frieden, Toleranz und Erlösung. Boulanger schrieb es im 1. Weltkrieg, bevor sie 1918 24jährig starb.

Der Philharmonische Chor „Sine Nomine“ führte das Werk am Samstag Abend unter der Leitung von Karsten Scholz in St. Johannis auf, in der Fassung für Chor und Klavier, gespielt vom Duo Tsuyuki & Rosenboom auf zwei Flügeln, und als „Vorspiel“ zu Carl Orffs „Carmina Burana“. Eine kluge Zusammenstellung, wenden sich doch Boulanger wie Orff längst vergangenen Epochen zu, die sie nachempfinden, interpretieren und wieder aufleben lassen. Dabei bedienen sie sich ähnlicher Mittel wie Einfachheit und Wiederholung, Boulanger allerdings mit einer spirituellen, Orff dagegen mit einer ganz diesseitigen Ausrichtung. Und es war, als hätte Orff seinen Schatten auf das Werk der Französin vorausgeworfen: Man hätte es sich etwas sphärischer gewünscht, leiser und differenzierter in der Dynamik als der Chor und Michael Ha (Tenor) es vortrugen.

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Auszug aus meiner Rede zur Eröffnung der Ausstellung:

Dass Anja Schindler ihre Kunst nicht einfach nur hier im Haus aufgebaut hat, sondern auf dessen Exponate feinsinnig Bezug nimmt, zeigt etwa eine im Kabinett ausgestellte Kommode. In ihren Schubladen finden sich exotische Früchte aus Namibia, Eukalyptussamen aus Portugal, deutsche Kastanien und – schwarze Walnüsse von den Bremer Wallanlagen. Und wie das Museum präsentiert auch sie neben Naturalien Dinge, die von Menschenhand gemacht sind, wie einen Schlitten, einen Globus oder ein Holz zum Aufwickeln einer Wäscheleine. (…)

Schindlers mumifizierter Frosch hat für diese Ausstellung viele kleine Brüder aus dem 3D-Drucker bekommen, die die Besucher mit ihrem leuchtenden Blau ins Kabinett und in die Schausammlung „Übermaxx“ lotsen. Hier hat die Künstlerin in einer Schublade eine „ägyptische“ Grabkammer für einen Nashornborkenkäfer samt Geschwistern realisiert, mit einer Goldmaske, Proviant für das Jenseits und anderen Beigaben. Dem Ausstellungstitel „Naturalia Artistica“ wird gerade diese gewitzte Arbeit voll und ganz gerecht. Weiterhin hat Schindlers sich Objekte aus der Nass-Sammlung ausgesucht und nach ihnen Zeichnungen angefertigt. Sie sind nun neben den Vorbildern zu sehen, z.B. Seepferdchen oder dem aus seinem Ei schlüpfenden Embryo eines „Gavialis Gangeticus“, einer heute nur noch in Nepal und im Norden Indiens lebenden Krokodilart, die auf der Roten Liste gefährdeter Arten steht. Auffallend ist, dass die mumifizierten Wesen auf den Zeichnungen wieder ganz lebendig wirken, ja eine individuelle Physiognomie und einen kecken Gesichtsausdruck bekommen. Wie auch bei manchen Exponaten des Museums, etwa der Maske, die Amazonas-Indianer aus den bunten Federn der dort lebenden Vögel erschaffen haben, oder den großartigen holzgeschnitzten Krokodilen aus Ozeanien gleich neben dem Schädel eines echten Riesenkrokodils möchte man ausrufen: Hier vollendet die Kunst, was die Natur begann – „Naturalia Artistica“!

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