Blick in die Ausstellung ‚Credo‘ im Kreuzgang der Brüdernkirche.

Die robuste Frau in mit Stickern übersäter Jeansweste, mit Cap und blaugelbem Schal –  der Eintracht-Fan. Die alten Damen in Dunkelblau, mit weißem Kragen und Häubchen, das Kreuz auf der Brust – die Diakonissen. Die Männer in schwarzer Lederkleidung, einander zärtlich zugewandt – zwei Schwule. Der Bärtige im blütenweißen Gewand, mit der Taqiyah auf dem Kopf – der Imam.

Das Mädchen mit schwarzer Lockenperücke im rosa Prinzessinenkleid – die Cosplayerin. Der junge Mann mit nacktem, von Muskeln nur so strotzendem Oberkörper – der Bodybuilder.

Diese sowie elf weitere Portraits sind in der Ausstellung „Credo. Lebensentwürfe“ des Braunschweiger Fotografen Klaus G. Kohn im Kreuzgang der Brüdernkirche zu sehen. Dunkel ist es hier, denn die auf einen besonderen, lichtdurchlässigen Stoff abgezogenen Farbaufnahmen sind in die verschlossenen Fenster des Kreuzgangs hineinmontiert. Von hinten angestrahlt, scheinen die großen (2,70 x 2 m), weit oben angebrachten Fotografien aus sich selbst heraus in großer Farbintensität zu leuchten, gewinnen eine starke Präsens. Mit ihrer Aura von Licht erinnern sie an die Glasfenster einer gotischen Kathedrale. Schon beim Betreten des Kreuzgangs ist man von dieser Präsentation sofort gebannt. Doch keine Heiligen haben hier Platz gefunden, sondern Menschen von heute, Individuen, die vor der Kamera posieren in einer Aufmachung, die sie als Ausdruck ihrer Identität, ihres Lebensentwurfs verstehen. Zugleich repräsentieren sie als Typen verschiedene Facetten unserer pluralistischen Gesellschaft, zumal Namen und weitere Informationen zu den Personen fehlen. Das Zeitgenössisch-Gegenwärtige ihrer Erscheinung bildet einen reizvollen Kontrast zur umgebenden mittelalterlichen, sakralen Architektur.

Der Künstler hat für die Aufnahmen bestimmte Parameter festgelegt: Format, schwarzer Hintergrund, Halbfigur in Frontale oder Dreiviertelansicht – das alles bleibt über die ganze Serie hinweg unverändert. In diesem strengen Rahmen aber entfaltet sich eine faszinierende lebendige Vielfalt an Gesichtern, Outfits und persönlichem Habitus – ein bewährtes Prinzip, das bereits in den 1920er Jahren in den Berufsbildern von August Sander oder später in Bildnissen von Richard Avedon zu finden und heute allgegenwärtig ist.

Doch wie steht es um den Titel der Ausstellung? Verkörpern all diese Menschen bzw. ihre Portraits wirklich ein Glaubensbekenntnis, wie es das Wort „Credo“ nahe legt? Den Diakonissen, dem Prior eines Klosters, dem Imam, auch den Freimaurern nimmt man ab, dass sie ihr Leben in den Dienst einer umfassenden, höheren Idee gestellt haben. Die Rocker, die Betreiberinnen eines Tattoo-Studios, der Punker und das Mitglied einer schlagenden Verbindung in vollem Wichs dagegen vertreten wohl eher eine sehr spezielle, extreme Vorliebe, eine Gruppenzugehörigkeit oder gar Ideologie als einen Lebensentwurf. Doch vielleicht ist ja gerade das ein typisches Phänomen unserer Gegenwart: dass – wie es der Veranstalter, die Landeskirche Braunschweig, im Folder zur Ausstellung formuliert – die in der Reformation gründende Freiheit des Einzelnen heute viele Gesichter hat, individuelle Biographien ermöglicht und von allen gleichermaßen Toleranz erfordert?  (Bis 14. Juni, Kreuzgang der Brüdernkirche, Schützenstr. 22, Öffnungszeiten: Di-So, 13-19 Uhr)

„Wer einen Baum pflanzt, wird den Himmel gewinnen“ soll Konfuzius einst gesagt haben. Wie wahr dieser Satz ist, zeigt das Buch „Narrenbäume“ von Wilhelm W. Reinke, das dieser am Donnerstag Abend in der Buchhandlung Graff vorstellte: 75 Bäume samt Himmel darüber hat der Braunschweiger Fotograf in fünf Jahren in aller Welt gewonnen: beeindruckende Schwarzweißaufnahmen von knorzigen deutschen Eichen und 2500 Jahre alten sardischen Oliven, italienischen Zypressen, spanischen Pinien, balinesischen Mangroven, kalifornischen Riesenmammutbäumen und madegassischen Baobabs, von denen die Legende besagt, Gott habe sie verkehrt herum in die Erde gesteckt. Ob kahl, belaubt oder in voller Blütenpracht – sie alle sind gewaltige, ja Ehrfurcht gebietende Lebewesen. „Narrenbäume“ hat Reinke sie genannt, nach einem Bild aus dem 15. Jahrhundert, wo die Narren von den Bäumen geschüttelt werden. Der Narr – sowohl der Törichte als auch der Hofnarr, der unbequeme Wahrheiten ausspricht – das ist natürlich der Mensch, der seit Jahrhunderten „den Ast absägt, auf dem er sitzt, um daraus einen Stuhl anzufertigen“. Und so hat Reinke ihn in seine Bilder einbezogen in Gestalt von Akten, die mit den Bäumen agieren. Das ist nicht immer ganz gelungen, vor allem dort nicht, wo sich schöne, junge Frauen in etwas gestellten, zu erotisch anmutenden Posen in die Natur drapieren. Anrührend ist es aber immer da, wo die Menschen in kreatürlicher Nacktheit verletzlich und Schutz suchend wirken, sich an einen Ast  anschmiegen oder in einen hohlen Stamm hineinkauern. Und wenn sie in der umgebenden Natur klein und gering erscheinen wie in einem barocken Landschaftsgemälde des Holländers Jacob van Ruisdael, etwa auf dem Titelbild des Buches: Dort stehen Mann und Frau wie Adam und Eva winzig unter einem riesigen, uralten Drachenbaum auf Teneriffa, geborgen in einer kosmischen Natur, die wir seit langem gnadenlos zerstören.

Reinke sprach vor allem vom „Making of“ des Buches. Seine Fotoausrüstung bestand aus Polaroid, Handy, Kleinbild- und Mittelformatkamera, letztere – für die Hauptaufnahmen – erzeugt Bilder von 28 Millionen Pixeln. Fotografiert wurde – nach langer, intensiver Vorarbeit – mit dem Studioblitzgerät stets am frühen Morgen, denn er wollte Lichtflecken im Bild unbedingt vermeiden. Das hieß: in der Dämmerung blieben für die Aufnahme nur die fünf bis zehn Minuten kurz vor  Sonnenaufgang. Das Scharfstellen im Dunkeln war dabei die größte Herausforderung. Seinen Vortrag würzte der Künstler mit zahlreichen Anekdoten von den Störfaktoren. Abgesehen von Kälte, Regen und Mücken waren das etwa andere Frühaufsteher, die verwundert fragten, ob hier ein Pornofilm gedreht wird, oder, auf Bali, Affen, die von den höchsten Wipfeln fröhlich ihren Kot fallen ließen. Bereits ausgewählte Bäume waren inzwischen gefällt oder plötzlich von Wasser umgeben. Modelle erkrankten oder plumpsten vom Baum herab mitten in die Brennnesseln. Zwischendurch rezitierte Reinke Baum-Gedichte von Goethe, Hebbel, von Arnim, Rilke, Fontane und Brecht. Das ergab eine Spanne vom Trivialsten bis hinauf zum Kunstschönen – sehr unterhaltsam. In diesem Jahr sind die „Narrenbäume“ in Leipzig und Berlin zu sehen. Auf die Ausstellung 2019 in der Prüsse-Stifung und im Schulgarten am Dowesee in Braunschweig können wir uns freuen!

Werner Krämer

„Immer dienstags ist Treffen zum Aktzeichnen“, und zwar im Atelier des Malers und Graphikers Manfred Fischer für eine Gruppe von kunstbegeisterten Freunden, die aus verschiedensten Gründen gerne zeichnen. Künstler und Kunsterzieher sind dabei, Architekten, Lehrer und eine Reqisiteurin am Staatstheater. Seit zehn Jahren existiert die Gruppe, einige sind schon sehr lange dabei, andere erst ein halbes Jahr. Nun zeigen sie eine kleine Auswahl ihrer Ergebnisse im Torhaus des Botanischen Gartens.

Das Aktzeichnen wurde in der Renaissance „erfunden“, als die Künstler, inspiriert von der wieder aufgefundenen antiken Skulptur, die Schönheit des nackten menschlichen Körpers entdeckten. Das Studium der Anatomie und das Zeichnen der menschlichen Gestalt diente damals der Vorbereitung von Gemälden, vor allem von Historienbildern. Ihre Figuren sollten „richtig“ sein und lebensecht ihre Rolle im dramatischen Geschehen „spielen“, um die Herzen der Betrachter zu rühren. Um 1900 etwa wurde der Akt schließlich zu einer autonomen Bildgattung.

Rainer Nötzold

Welch faszinierende Vielfalt auf diesem Gebiet möglich ist, das ist in der Ausstellung auf das Schönste zu erleben: mit Bleistift, Kreide, Rötel, Tusche und Aquarell, auf großen Bogen Papier oder in kleinen Skizzenbüchern, stehend, sitzend, liegend, nackt oder bekleidet – die menschliche Gestalt ist ein unerschöpflicher Gegenstand. Ebenso weit gefasst sind die Möglichkeiten der Zeichenweise und der künstlerischen Auffassung: Eine naturalistische Rötel-Studie von Rainer Nötzold umreisst mit Linien unterschiedlicher Strichstärke und kräftigen Schaffuren sehr plastisch den fülligen Körper einer Frau. Helge Karnagel dagegen spinnt die Figur mal in ein feines Liniennetz ein, das sie fast überwuchert; dann wieder tritt sie aus einem das ganze Blatt überspannenden Gewebe von Farbflecken heraus.

Christina Kersten

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Die ganze Welt ist himmelblau! Nun, vielleicht nicht die ganze, doch das Kunsthaus des BBK ist momentan in diese Farbe getaucht. Hier finden sich Naturgegenstände wie getrocknete Früchte, Blüten, Kapseln, Schoten, Eier, Erbsen, ein Fischskelett und ein mumifizierter Frosch, aber auch vom Menschen Ge­schaffenes wie Nudeln, Seife oder Schriftrollen. Das Meiste davon cyanblau bemalt, in Gläsern und Flaschen in Öl konserviert und präsen­tiert in Schau­kästen und Regalen, auf Tischen, Sockeln und Stellagen, ja sogar in Vogelkäfigen und einem Schrank.

Die an der Mosel lebende Künstlerin Anja Schindler (geboren 1963) hat mehrere Jahre mit ihrer Familie in Italien verbracht. Inspiriert von der dortigen traditionellen Art des Einmachens, begann sie, Fundstücke in Öl zu konservieren. Seitdem entstehen Installationen, Archive, die um den Zusammenhang von Natur, Kultur und Geschichte kreisen. So enthält besagter Schrank – zum Thema „Frauenzimmer“ – Blumen als Hervorbringungen der Mutter Erde und Flaschen mit Radierun­gen von Formen, die unter anderem an einen Embryo im Mutterleib erinnern. Die organischen Strukturen hat die Künstlerin mit genähten Linien verstärkt, die losen Enden der Fäden bewegen sich wie Tentakel in der Flüssigkeit – Symbole für die Fähigkeit, Verbin­dungen zu spinnen und knüpfen; dazu verweisen Stopfpilze und ein Holz zum Aufwickeln einer Wäscheleine auf früher typisch weibliche Arbeiten mit einem Faden.

Eine andere Arbeit geht von einem Gemälde von Marten van Heemskerck (1498-1574) aus. Es the­matisiert die Ver­gänglichkeit alles Irdischen in Gestalt eines kleines Kindes, das schlafend unter dem Spruch „nascendo morimur“ liegt („Kaum geboren, sterben wir schon“). Über ihre Re­cherchen zu Mo­tiv, Thema und Ikonographie des Bildes hat Schindler ein Künstler­buch verfasst. Dazu entstand ein Regal mit einer Stu­fenfolge von Dingen des Lebens, von der Kindheit über das Alter und die geistige Quintes­senz bis zum Tod, den drei Tierschä­del mit mächtigem Geweih symbolisieren. Ein Schrein wiederum mit Mitbringseln wie Wüs­tensand, Blumen, Weihrauch, Myrrhe sowie einer Schlange und Chamäleons aus eigenem Bestand ging aus einer Ägyptenreise hervor.

„Curiositá“ ist der Titel der Ausstellung, das heißt: Neugier, Sehens­würdigkeit. Damit knüpft Schindler an die fürstlichen Kunst- und Wunderkam­mern des 16. und 17. Jahrhunderts an. In ihnen wurden bestaunenswerte Dinge aller Art gesammelt mit dem Anspruch, ein Abbild der Welt darzustellen und Kunst, Natur, Wissenschaft zu einer Einheit verschmelzen.

Und die Farbe Blau? Sie ist die Farbe des Himmels, der Ferne und der blauen Blume der Romantik, die im Zeitalter der Industrialisierung sehn-süchtig nach der ganzheitlichen Ein­heit des Wissens und der Welt suchte. Die Natur galt dem romantischen Forscher, so Novalis, als „selbständiger Gesprächspartner“, dem er zuhört, den er „vernimmt“ im Sinne des an­dächtigen Lauschens einer fremden Sprache. Die Kunst von Anja Schindler lehrt uns dieses Lauschen wieder, ein Lauschen mit den Au­gen, das uns staunen lässt im Sinne der Natur als Lehrmeisterin für die Kunst. (Bis 22.4., Kunsthaus des BBK, Humboldtstraße 34, Öffnungszeiten: Mittwoch bis Freitag 15-18 Uhr, Sonntag 11-17 Uhr, an Feiertagen geschlossen)

„Bedenke, dass es manchmal ein großes Glück ist, das nicht zu bekommen, was Du Dir am meisten wünschst!“ Diesen Rat des Dalai Lama für das dritte Jahrtausend kann Ritter Utz im Mittelalter natürlich noch nicht kennen. Und so ist er „Utz, der Unglücksritter“: immerzu vom Pech verfolgt, hat er noch keine der drei großen Ritterpflichten erfüllt: einen Schatz finden, einen Drachen töten und eine Prinzessin befreien. Von der großen Ritterrunde ist er darum ausgeschlossen, dort machen sich schon alle über ihn lustig.

Die Abenteuer des Unglücksritters konnte man am letzten Wochenende mit Matthias Träger aus Klotten an der Mosel und seinem Puppentheater „Tearticolo“ im Figurentheater Fadenschein erleben. So frustriert ist Utz, dass er seine Tage schlafend in der Hängematte verdöst, mit Helm und in seiner Rüstung (Konservendose). So kann es doch nicht ewig weitergehen! Und so beschließt er eines Tages doch noch, in die Welt hinauszuziehen. Sein Pferd Roswita (eine Art Motorroller mit einem hölzernen Schuhlöffel als Kopf) möchte zwar lieber zu Hause, bei seinen leckeren Mohrrüben bleiben, aber Utz kennt kein Pardon: Angetrieben von einer ratternden Nähmaschine setzen Ross und Reiter sich in Trab, hinein in den dunklen Wald. Und tatsächlich findet Utz dort seinen Schatz, muss jedoch erleben, wie dieser ihm erst von einem Raubritter (Hand im Handschuh), dann vom Drachen Güldenzahn (diverse Küchengeräte) gestohlen wird. Wenigsten frisst der den bösen Raubritter zur Strafe auf! Doch: Schatz futsch, Drache lebt immer noch – da bleibt nur noch die Prinzessin (Hand im feinen Kleid). Und tatsächlich findet Utz eine, die ihn aus ihren Turmzimmer um Hilfe anfleht. Alle Treppen muss er hochstapfen und die Jammernde herunterschleppen. Die ist ganz schön zickig, will vor allem Schokolade haben, findet ihren Retter blöd und lässt sich lieber von einem anderen auf dessen Burg entführen. Aber es gibt ja noch die Zofe (Puppe). Die freut sich, dass sie die Prinzessin endlich los ist und ist ganz begeistert von Utz, ihrem „Heldenritter“, der nur noch nicht gemerkt hat, wieviel Glück er eigentlich die ganze Zeit hatte: hätte er den Schatz behalten, hätte ihn der Drache verschlungen, hätte er die Prinzessin geheiratet, hätte die ihn nur gepiesackt! So aber bekommt er eine Burg, ein liebendes Weib, und die verlorene Roswita stellt sich, von Möhren herbeigelockt, auch wieder ein – Ende gut, alles gut!

Kunstvoll zieht Matthias Träger, der das Stück entwickelt sowie alle Puppen und Requisiten selbst geschaffen hat, alle Register (Bühnenbild: Anja Schindler). Er setzt nicht nur Figuren, Wälder und Burgen in Bewegung, sondern veranschaulicht zwischendurch auch als Erzähler Teile der Geschichte an Bildtafeln. Er macht mit Stimme und diversen Instrumenten die lustigsten Geräusche, singt, bläst in den Dudelsack und lässt diesen zum Erstaunen der Kinder ganz allein spielen. Und die sind Feuer und Flamme! Da der Spieler sie immer etwas mehr sehen und vorausahnen lässt als die Hauptfigur, sind sie eifrig mit Tips und Ratschlägen zur Stelle. Ein zauberhaftes Märchen voller Phantasie und Witz, nicht nur für die Kleinsten!

Foto: Bettina Stoess

„Angsthase Pfeffernase, morgen kommt der Osterhase!“ skandierten wir früher als Kinder schadenfroh, wenn ein Spielkamerad sich etwas nicht traute. Jetzt erobert „Angsthase Pfeffernase“ die Bretter, die die Welt bedeuten – im gleichnamigen Tanzstück von Teresa Rotemberg, das am Samstag im Haus Drei des Staatstheaters Braunschweig seine Uraufführung erlebte.

Die Bühne: ein karger, schwarzer Raum, nur von zwei bizarren „Steinen“ aus Schaumstoff und einem Lichtfeld in wechselnden Farben im Hintergrund akzentuiert (Esther Criado Valladares, auch Kostüme). Zu rhythmischer Musik (Tanja Müller) tollen drei junge Tänzerinnen und Tänzer (Murat Alkan, Anna Degen, Giulia Nicoletti) umher. Die drei haben viel Spaß an ihren Spielen, mal harmonisch, mal kämpferisch, zu zwei, zu dritt oder auch allein. Was lässt sich zum Beispiel mit so einem Stein nicht alles anstellen: ihn hochstemmen und schleppen, ihn treten, schubsen, rollen bis schließlich der Fuß daruntersteckt – aua! Doch immer wieder funkt der alte Affe Angst dazwischen: Zittern, Zagen und Gänsehaut bilden gleichsam das Rondothema in dem munteren Treiben. Manchmal ganz grundlos, aber dann wieder gibt es wirklich was zum Fürchten: Wälzt sich da nicht eine riesige Raupe, gar ein Lindwurm, bedrohlich heran? Nichts wie weg! Doch dann: stehen bleiben, sich vorsichtig heranpirschen, und sieh an: Man kann den Unhold anstupsen, drüberhopsen, sich drauflegen, ihn über sich hinweg krabbeln lassen bis, ja bis er einen am Ende doch verschlingt. Gruselig auch das mit schwarzen Stacheln bewehrte Monster, das zunächst nur seinen Schatten sehen lässt und dann selbst in einer Nebelwolke erscheint. Ein Kopf mit Hut und der dazugehörige Körper tanzen getrennt voneinander, bevor sie sich schließlich vereinen. Zwei Wesen, die ihre langen Hörner in den Händen halten und Murat damit einfangen, werden am Ende mit vereinten Atemzügen der kleinen Zuschauer von der Bühne gepustet.

Eine Publikumsbefragung nach dem Lieblingsspiel ergibt: Verstecken, und dabei kommen lautstarke Hinweise der Kinder und eines mitgebrachten Plüsch-Murmeltieres dem Suchenden zu Hilfe. Murat entpuppt sich als der größte Feigling: Sein wildes Schlottern, Zappeln und Zucken quittieren die Kleinen mit schallendem Gelächter. Aber auch die forsche Anna kriegt noch ihr Fett weg…

Eine ausdrucksstarke Choreografie, fantasievolle Kostüme, viele tolle Einfälle und nicht zuletzt die tänzerische und spielerische Leistung der drei Absolventen der Zürcher Hochschule der Künste und der Folkwang Universität Essen machen „Angsthase Pfeffernase“ zu einem Vergnügen für Kinder, Erwachsene und alle Fans des modernen Tanztheaters. Die Inszenierung ist eine Initiative des Staatstheaters Braunschweig zur strukturellen Förderung Junger Tänzer und des Jungen Tanzes.

Seine Spezialität: fiktive Biographien, bis ins kleinste Detail äußerst glaubhaft erfunden und durch skurrile Exponate aus dem „Nachlass“ der Personen exakt „dokumentiert“. Den Auftakt zum diesjährigen Programm des „Allgemeinen Konsumvereins“ machte am Donnerstagabend der Schweizer Künstler Hans Peter Litscher mit einem – wie sollte es anders sein? – Mix aus Ausstellung, Vortrag und Performance. Den Braunschweigern dürfte er durch sein Projekt „Goethes Zebra“ (2014) in bester Erinnerung sein. Und just währenddessen geschah’s, dass ihn ein älterer Herr auf sein Stück „Lessings Blessings“ ansprach, geschaffen für das Festival „Theaterformen“ 1991. Dieses Stück habe, so der Herr, sein Leben verändert, er sei der Sohn des Boxers Samy Angott und der Ururenkel von Lessings Weinhändler Angott.

Die Idee zu „Lessings Blessings“ hatte Litscher, als er in New York einen Lieferwagen des Catering Service „Lessing’s“ erspähte. (Exponat: von Kerzen beleuchtetes Modell des Lieferwagens mit Schriftzug). Auf genau dieses Gefährt prallte eines Tages Bruce Lindenhurst, Verfasser von „Ganz geschwiegen oder Ganz mit der Sprache heraus. Beobachtungen & Überlegungen zu G. E. Lessings Wortschatz“ (Exponat: Buch), weil er im Auto, vor einer roten Ampel wartend, in der „Hamburgischen Dramaturgie“ las und dann bei Grün mit der Lesebrille (Exponat: vergrößertes Modell) auf der Nase weiterfuhr. Doch als Rachel, die Fahrerin des Lieferwagens, seine Lektüre erblickte, verzieh sie ihm alles, denn sie und ihre ganze Familie pflegten Lessings Sprache hingebungsvoll. (Wie groß sollte ihre Enttäuschung sein, als sie später nach Deutschland kam und so gar nichts mehr davon finden konnte!) Bruce und Rachel – ihre Mutter hatte übrigens als kleines Mädchen eine Elfe in Shakespeares „Sommernachtstraum“, inszeniert von Max Reinhardt, gespielt (Exponat: allerliebstes Foto) – wurden ein Paar. Allein, das Glück währte nicht lang: Sie brannte nach Neuseeland durch, und so musste er im Hotel „Deutsches Haus“ in Braunschweig allein wohnen und speisen, bestellte jedoch tagtäglich ein zweites Frühstück für sie, um sie wieder herbeizubeschwören (Exponate: Kellog’s Cornflakes und Schoko Pops). Um die wachsenden Stapel von Kellog’s Packungen einer sinnvollen Verwendung zuzuführen, setzte Bruce sie als Anschauungsmaterial in einem Vortrag über Platons „Timaios“ (Exponat: Buch) ein…

So spinnt sich die Geschichte assoziierend und mäandernd fort, und es macht diebische Freude, Litscher zu lauschen. Er plaudert, zeigt, erläutert, fordert – „Kommen Sie, kommen Sie!“ – zum Weitergehen auf, zaubert aus seinem Handy Musik und eine Lesung seiner Lieblingsschauspielerin Jutta Lampe hervor (Exponat: Foto der für eine Rolle komplett schwarz Geschminkten), um schließlich bei Einstein, Kafka und dessen Biografen Wagenbach zu landen. Wie war er da noch mal hingekommen? Und was ist nun Fakt, was Fake? Keine Ahnung, so schwirrt einem der Kopf… Und das alles kommt so leicht, spielerisch und amüsant daher, dass man fast vergisst, wieviel Belesenheit, Recherchen, Bildung und Kreativität dahintersteckt. Schade, dass diese Performance nicht noch einmal wiederholt wird!

Franziska Rutz vor ihrer Fotomontage „Glücksstadt“

„In meiner Kunst beschäftige ich mit der Jetzt-Zeit und benutze ein künstlerisches Mittel von heute, nämlich das der digitalen Bildbearbeitung.“ Franziska Rutz steht in ihrer Ausstellung in der Galerie VitaMine vor einem Bild, in dem sie Alpengipfel mit Schuttbergen zusammenmontiert hat. Seit 24 Jahren lebt die Schweizerin in Braunschweig – Erinnerungen an ihre Heimat? Ja, im Zusammenhang mit dem Klimawandel denkt sie auch an „ihre“ Schweizer Berge: Scheinbar für ewig standen diese unerschütterlich fest, boten Halt und Sicherheit; die Bergwelt war noch in Ordnung, dort konnte man sich auf Wanderungen erholen. Doch das hat sich inzwischen geändert: „Auch der Permafrost taut durch die Erderwärmung bereits auf und wird instabil,“ erzählt Rutz, „Manche Partien geraten ins Rutschen, und einige Gebiete sind bereits für Wanderer gesperrt.“

Der Klimawandel mit seinen Folgen ist eines ihrer großen Themen, weitere sind: Mobilität, die Suche nach dem Glück und die Entfremdung und Anonymität des Menschen in Megacities und hoch industrialisierten Gebieten. Letzteres vor allem in China, wohin sie 2006 reiste und sah, wie im Zuge der rasanten wirtschaftlichen Entwicklung mehr und mehr Betonwüsten die traditionelle Architektur verdrängen.

Zwei große Hochformate hängen sich in der Ausstellung gegenüber: „Autostadt“ und „Glücksstadt“. Auf beiden ballt sich ein wildes Gewirr aus mehrspurigen Autobahnen zu einem Labyrinth zusammen, mittendrin Autos, Laster, Bagger, winzige Menschlein. Auf „Glücksstadt“ mündet dieses Labyrinth in der Auffahrt auf die Fähre, die wie eine Abschussrampe geradewegs in den Himmel hineinführt – angesichts des wahnsinnigen Verkehrschaos die pure Ironie. Aus rund 50 schwarzweißen und farbigen Fotos setze sich eine solche Arbeit zusammen, erläutert Rutz. In ihrem Frühwerk hat sie sich mit der Rolle der Frau beschäftigt und häufig Schittmuster verarbeitet. „Die Themen der Arbeiten haben sich seitdem geändert, die Methode des Zerteilens und Zusammenfügens bleibt hingegen die künstlerische Bildsprache bis in die aktuellen Arbeiten hinein“, stellte die Kuratorin Ulrike Lahmann fest und führt diese zurück auf Hannah Höch, John Heartfield und Raoul Hausmann, die in den 1920er Jahren die Fotomontage erfanden. Nur arbeiteten sie noch mit Schere und Papier, Rutz‘ Werkzeug dagegen ist der Computer. Sie unterscheidet die aus vielen (immer eigenen) Fotos zusammengefügte Montage und die Decollage, bei der ein einzelnes, meist farbiges Motiv aus einem größeren Kontext isoliert und vor einem neuen, grautonigen Hintergrund freigestellt wird. So geschehen etwa in der Serie „Lourdes“, in der sie den Glauben an die Glücksverheißungen der Wallfahrt kommentiert – kritisch, aber nicht ohne Humor.

Was ist denn zuerst da, die Bildidee oder die konkreten Aufnahmen? „Beides durchdringt sich wechselseitig“, sagt Rutz, „so habe ich zum Thema ‚Unterwegssein‘ erst einmal Straßen fotografiert, und daraus sind dann ‚Autostadt‘ und ‚Glücksstadt‘ entstanden.“ Bahn frei auf dem Weg zum Glück toller, neuer Bildschöpfungen!

(Bis 11. März, VitaMine, Karl Marx-Str. 6, Öffnungszeiten: Mo-Fr 10-13 Uhr, Mo, Mi, Do 17.30 – 19.30 Uhr, So 14-17 Uhr)

Den Anfang macht Marie-Luise Schulz mit ihrem „Abendmahl 2.0“ (Acryl auf Leinwand), sehr frei nach Leonardo: Auf dem langen, weißen Tisch sitzen, stehen, kauern, tanzen nackte und bekleidete Figuren; davor macht gerade eine Frau ein Selfie mit dem Smartphone, welches ihr Gesicht und zugleich das mittlere der drei Fenster im Hintergrund verdeckt – das Handy als Öffnung zur Welt, in dem man letztlich immer nur sich selbst erblickt? Zu diesem großen Format (150 x 300 cm) hat die Malerin mehrere Aquarelle gehängt, darunter drei sehr gelungene Portraits.

Im Gartensaal geht’s weiter mit Silke Schaper und ihren Landschaften (Öl und Acryl auf Leinwand oder Holz). Oder vielmehr horizontalen Farbfeldern und -streifen, übereinander gelagert, die – nicht zuletzt durch das Querformat – Landschaftliches anklingen lassen. Oder, wie die Kunstwissenschaftlerin Pia Kranz schreibt: „… ein Spannungsfeld, in dem Landschaft und Himmel als Farbflächen stark abstrahiert werden und trotzdem genug Erkennbares bleibt…“

In anna.laclaques Video-Sound-Installation „while I carry my home“, projiziert an drei Wände, stolpert eine Frau, zeitweilig zu ätherischen Gesängen, blindlings durch den Wald, den Kopf in einem blauen Würfel und aufgenommen von einer wackelnden Handkamera. Ein Sinnbild für das durch-die-Welt-Irren des Menschen, die Beschränkung seiner körperlichen und geistigen Wahrnehmung und ein Dasein, das von Instabilität und Desorientierung geprägt ist-

Im Treppenhaus zeigt der Fotograf Wilhelm W. Reinke, auch in der alten Technik des Lichtdrucks, die beeindruckende Schwarzweißaufnahme eines riesigen, uralten Drachenbaums auf Teneriffa. An seinem Fuße ist ein Paar in kreatürlicher Nacktheit – nein, gerade nicht hineinmontiert, wie man im ersten Moment vermutet. Mann und Frau stehen dort wie Adam und Eva und sind wirklich so winzig unter dem gewaltigen Baumlebewesen, eingebettet in eine kosmische Natur, die wir seit langem gnadenlos zerstören. Das Foto ist eine Vorschau auf Reinkes Buch „Narrenbäume“ mit über 70 Portraits von Bäumen aus aller Welt, das im März erscheint, sowie auf eine Ausstellung, die 2019 auch in Braunschweig zu sehen sein wird.

Witzig sind die volkstümlich anmutenden Bilder „Hochwasserstand“ und „Ackerland“ (Acryl und Öl auf Nessel) von Gabriele Wendland. Auch zwei Arbeiten in der komplexen Technik des Farbholzschnitts hat die Meisterschülerin von Walter Dahn an der HBK Braunschweig zur Ausstellung beigesteuert. Richtig toll schließlich ihr Mobilé von 76 knallbunt bemalten Täfelchen.

Michael Nitsche präsentiert feine Zeichnungen (Pastell und Bleistift) aus den letzten sieben Jahren. Seine faszinierende Bildwelt bevölkern phantastische, mal poetische, mal monströse animalische Gestalten und Mischwesen: Hirsche, Bären, aus deren Bauch kleine Figuren herauspurzeln; ein Zwerg mit Wurzelhaar hält ein Bäumchen mit Vögeln darin. Besonders der Elefant mit seiner faltigen Haut und den schweren Füßen hat es dem Künstler angetan, auch als Dickhäuter verkleidete Menschen. Mit seinen Motiven bezieht sich Nitsche auf alte Mythen und Volksmärchen und setzt unserem durchtechnisierten Alltag eine ganzheitliche, intuitive Weltsicht entgegen.

Glückwunsch dem BBK zu diesen neuen Mitgliedern!

(Bis 4. März, Kunsthaus des BBK, Humboldtstr. 34, Öffnungszeiten: Mittwoch bis Freitag 15:00 Uhr – 18:00 Uhr, Sonntag 11:00 – 17:00 Uhr)

Am Anfang ist der Pinselstrich. Als breite, schwarz-weiße Wellenlinie aus Pappe, quer und längs an die Wände des Kunstvereins Wolfenbüttel geheftet, in Stapeln dagegen gelehnt, in eine Vase drapiert oder als Lesezeichen in einem dicken Buch dominiert er die Ausstellung „Wow so nice reflection“ von Hanni Wurm. In ihr kehrt die Künstlerin, die 2010 ihr Studium als Meisterschülerin von John Armleder an der HBK Braunschweig abgeschlossen hat, zurück zum Ausgangspunkt aller Malerei, von Kreativität an sich. Zugleich hat sie eine raumgreifende Kombination von Malerei und Installation geschaffen: Umgeben von besagten Pinselstrichen präsentiert sie ihre Bilder auf farbigen Wänden, dazu einige Objekte. Das Motiv ihrer Malerei bildet, neben einem Portrait und einer weiblichen Rückenfigur, in erster Linie die bewegte Farbe selbst, etwa in der landschaftlich anmutenden, leuchtend bunten Serie „Americana“ (Aquarell und Tusche). Doch vor allem die blaue Farbe hat es der Künstlerin angetan: Blau schlängelt sich, wogt, wallt und ballt sich wolkig zusammen. Da liegt die Assoziation an Himmel, erst recht an das Meer nahe.

Dieses ist nach dem griechischen Philosophen Thales von Milet der gemeinsame Urgrund alles Seins, der in ständiger Wandlung die Dinge aus sich hervorbringt und wieder in sich zurücknimmt; alle Materie ist unvergänglich, das Wasser bildet den Urstoff für alle Erscheinungen in der Welt, und – so kann man hinzufügen – ist damit das kreative Element an sich, sozusagen der erste Künstler. Dazu die Kunstwissenschaftlerin Lisa Grolig in ihrer Rede zur Eröffnung der Ausstellung: „Diesen Moment, an dem nichts festgeschrieben und alles möglich ist, nutzt Hanni Wurm und schafft Neues. Das, was normalerweise flüchtig und schwer greifbar wirkt, das Meer ist beispielsweise immer in Bewegung, der Pinselstrich meist Mittel zu Zweck eines übergeordneten größeren Ganzen, diese flüchtigen Momente hält Hanni Wurm fest und arbeitet an ihnen weiter (…) In dieser Welt haben wir ein Zimmer mit Meerblick, unbebaubare Sicht bis zum Horizont (…) haben wir Zeit und können uns vom Alltag erholen.“ Da kann man nur sagen: Wow, so nice, this reflection! (Bis 18.2, Kunstverein Wolfenbüttel, Reichsstr. 1, 38300 Wolfenbüttel, Öffnungszeiten: mi. bis fr. 16–18 uhr, sa. und so. 11–13 uhr)